Droplet erstellen

Man kann sie unter Datei > Automatisieren > Droplet erstellen produzieren. Bedingung ist eine bereits vorhandene Aktion. Der Dialog für die Erstellung von Droplets unterscheidet sich kaum von dem der Stapelverarbeitung. Lediglich im oberen Teil wird nach einem Ort für das Speichern des fertigen Droplets gefragt. Der ganze untere Teil ist im Wesentlichen derselbe wie bei der Stapelverarbeitung. Was ist bei den geringen Unterschieden der Vorteil von Droplets?

Bei der Stapelverarbeitung muss man für jeden abzuarbeitenden Stapel den Dialog neu aufrufen, um Start- und Zielordner zu definieren. Das erübrigt sich bei den Droplets, weil sie auf ihren Standort bezogen sind.

Watched Folders

Eine sehr interessante Einsatzmöglichkeit von Droplets ist ihr Gebrauch im Zusammenhang mit sogenannten »Watched Folders« oder »Hot Folders«. Das sind Ordner, die bei Veränderungen ihres Inhalts in irgendeiner Form reagieren. Der eine oder andere Leser wird diese bereits von Adobe Acrobat Distiller kennen. Beim Mac kann man dies mit AppleScript in den »Ordneraktionen«, bei Windows mit VBScript realisieren.

Ein Beispiel: Ein Photoshop-Droplet sorgt mit seiner Aktion dafür, dass ein Bild verkleinert und mit einem Schatten auf weißem Hintergrund versehen wird, um anschließend als JPEG-Datei mit 50 % Qualität abgespeichert zu werden, z. B. für den Einsatz in einem Produktkatalog im Web.

Wenn nun ein solches Watched Folders-Skript dafür sorgt, dass alle Dateien, die neu in diesen Ordner hereinkommen, automatisch mit dem Droplet geöffnet werden, um anschließend in einen Unterordner gespeichert zu werden, kann man redundante Arbeitsabläufe sehr stark vereinfachen. Man braucht nur noch Bilder in einen derart präparierten Ordner zu legen. Alles Weitere geschieht dann automatisch.

Adobe Photoshop CS4 – Fortgeschrittene Techniken

Thomas Bredenfeld

Galileo Design
843 S., 2009, geb., komplett in Farbe, mit DVD
59,90 Euro, ISBN 978-3-8362-1237-3

Sie setzen Photoshop CS4 oder Photoshop CS4 Extended professionell ein und müssen täglich unterschiedlichste Aufgabenstellungen lösen? Dann sind Sie sicher immer auf der Suche nach effizienten Problemlösungen, offen für neue Ideen und wollen auf dem neuesten Stand der (Photoshop-)Technik bleiben. Dieses Buch hilft Ihnen, über den Tellerrand zu schauen und vom fortgeschrittenen Anwender zum Photoshop-Profi zu werden.

Lernen Sie, Probleme bei Digitalfotos zu beheben: Rauschen, Moiré, Unschärfe, Pixelfehler, Optische Verzerrungen. Trauen Sie sich, neue Wege zu gehen beim Einsatz altbekannter Funktionen wie Freistelltechniken, Masken, Kanälen und dem LAB-Modus – oder setzen Sie gezielt alternative Programme von Drittanbietern ein.

Dabei zeigt das Buch Strategien für die Anwendungsbereiche Fotobearbeitung, Videobearbeitung, Druckvorstufe, Web und 3D. Themen sind u.a. Camera Raw, HDR, Panoramen, Compositings & Montagen, Farb- und Tonwertkorrekturen, Farbmanagement, Sonderfarben, Filter, Animation, Workflow mit Dreamweaver, Fireworks und CS4-Videoprogrammen.

Für die Beschleunigung Ihrer Arbeit gibt es außerdem Tipps zur Automatisierung, zum Scripten mit Photoshop und Flex, zum Teamwork und zur Versionierung. So schöpfen Sie das Potenzial von Photoshop CS4 wirklich aus!

Übrigens: Es gibt auch eine sehr gut gemachte Website zum Buch!

Das Poster war für die ABC-Sendung Good Morning America. Es eignet sich ganz hervorragend, um die Herstellung dieser linienförmigen Explosionen zu erlernen. (Ich habe übrigens keine Ahnung, wie diese Dinger offiziell heißen. Glauben Sie mir, ich bin offen für Vorschläge, da linienförmige Explosion doch ziemlich spröde klingt!)

Schritt 1:

Legen Sie ein neues Dokument mit einer Größe von 22,5 x 22,5 cm und einer Auflösung von 72 ppi an (wir setzen diese geringe Auflösung nur zu Übungszwecken ein). Klicken Sie auf das Farbfeld der Vordergrundfarbe in der Werkzeugpalette, stellen Sie Blau als Vordergrundfarbe ein (ich verwendete R: 29, G: 62, B: 174) und füllen Sie die Hintergrundebene mit dieser Farbe, indem Sie die Alt- und Entfernentaste drücken.

Schritt 2:

Klicken Sie unten im Ebenen-Bedienfeld auf das Icon NEUE EBENE ERSTELLEN und erzeugen Sie damit eine neue, leere Ebene. Aktivieren Sie das Auswahlrechteck (M) und ziehen Sie auf der äußersten linken Seite des Dokuments eine hohe, schmale rechteckige Auswahl auf.

Stellen Sie als Vordergrundfarbe R: 1, G: 21, B: 125 ein und füllen Sie den ausgefüllten Bereich dann mit dieser Farbe (einem dunkleren Blau), indem Sie erneut die Alt- und Entfernentaste drücken. Heben Sie die Auswahl noch nicht auf.

Schritt 3:

Drücken Sie stattdessen Strg+Alt+T, um FREI TRANSFORMIEREN zu starten und eine Kopie Ihres ausgewählten dunklen Rechtecks zu machen, drücken Sie dann die Shift-Taste (damit die Dinge gerade ausgerichtet bleiben) und ziehen Sie die Kopie nach rechts. Lassen Sie zwischen dem Original und der Kopie etwa die Breite eines Balkens frei. Drücken Sie Enter, um das Duplizieren und Verschieben zu bestätigen, heben Sie aber die Auswahl nicht auf.

Schritt 4:

Drücken Sie nun Strg+Alt+Shift+T. Dieses Tastenkürzel erzeugt einen weiteren Balken, der rechts in exakt dem gleichen Abstand angeordnet ist, den Sie für den zweiten Balken gelassen hatten. Drücken Sie dieses Tastenkürzel immer wieder, bis Sie eine ganze Reihe perfekt angeordneter dunkelblauer Balken haben. Wenn Sie beim letzten Balken angekommen sind, können Sie die Auswahl schließlich mit Strg+D aufheben.

Schritt 5:

Nehmen Sie nun die senkrechten Balken und wandeln Sie sie in einen Kreis aus Balken um. Dazu wählen Sie FILTER/VERZERRUNGSFILTER/POLARKOORDINATEN. Die vorgegebene Einstellung für diesen Filter ist RECHTECKIG > POLAR, so dass Sie nur darauf achten müssen, dass diese Option auch tatsächlich eingestellt ist. Klicken Sie dann OK.

Schritt 6:

So sehen die rechteckigen Balken aus, nachdem Sie den Polarkoordinaten-Filter angewandt haben. Bei diesem speziellen Layout muss das Zentrum der kreisförmigen Balken etwas niedriger angeordnet sein als das Zentrum unseres Bildbereichs. Wechseln Sie deshalb zum Verschieben-Werkzeug (V), klicken Sie an die Stelle, an der sich die Balken in der Mitte des Bilds treffen, und ziehen Sie nach unten, so dass die Mitte jetzt bei etwa 25% der Dokumenthöhe liegt.

Natürlich hinterlässt dies eine Lücke oben im Bild, so dass wir unsere Balken strecken müssen. Drücken Sie Strg+T, um FREI TRANSFORMIEREN zu starten, klicken Sie auf den Griff oben in der Mitte und ziehen Sie ihn nach oben, bis die Balken wieder den gesamten Bildbereich ausfüllen, die Lücke verschließen und sich hübsch an den Rändern des Dokuments ausrichten.

Schritt 7:

Drücken Sie Enter, um die Transformation zu bestätigen. Sie sehen, dass sich der Mittelpunkt Ihrer kreisförmig angeordneten Balken im unteren Teil des Bilds befindet.

Schritt 8:

Fügen wir nun Text hinzu. Zuerst stellen Sie ein dunkles Gelb als Vordergrundfarbe ein (ich habe R: 240, G: 170, B: 75 benutzt). Aktivieren Sie das Text-Werkzeug T und erzeugen Sie Ihren Text (ich habe Futura Extra Bold verwendet, Sie können aber auch Helvetica Bold oder eine andere fette, serifenlose Schrift nehmen). Ich habe die Schriftgröße in Photoshops Zeichen-Bedienfeld (zu finden im Fenster-Menü) auf 72 und die Laufweite (den Abstand zwischen den Zeichen) auf –50 gesetzt, damit die Buchstaben eng beieinander stehen.

Den Zeilenabstand wählte ich mit 60 Punkt relativ eng. Schließlich machte ich das untere Wort »ALBANIA« etwas größer als die anderen Worte (115 Punkt), so dass ich den Zeilenabstand für »ALBANIA« auf 94 erhöhen musste, weil die Buchstaben einander berührt haben.

Schritt 9:

Unter dem Text fügen wir eine kleine »Ziergrafik« hinzu. Legen Sie dazu eine neue, leere Ebene an. Aktivieren Sie das Auswahlellipse-Werkzeug (drücken Sie Shift+M, bis Sie es haben) und ziehen Sie eine große ovale Auswahl auf, die über den Bildbereich hinausragt. (Sie müssen die untere rechte Ecke des Fensters anklicken und es größer ziehen, damit Sie den grauen Bereich um Ihr Bild herum sehen können.)

Machen Sie das Oval ungefähr so groß wie hier in der Abbildung (also wirklich groß) und füllen Sie es dann mit der Vordergrundfarbe (drücken und halten Sie notfalls die Leertaste, um die Auswahl zu verschieben, während Sie sie erzeugen).

Hinweis: Wenn Sie auf einem Mac die Auswahl aufziehen, dann sehen Sie, dass sie über die Seiten hinausragt. Sobald Sie aber in CS4 die Maustaste loslassen, wird die Auswahl automatisch auf das Innere des Dokuments beschränkt (auf einem PC ragt sie nicht über die Seiten hinaus). Das ist in Ordnung, weil Sie in dem grauen
Bereich sowieso nicht arbeiten können. Sie sollten es nur wissen, damit Sie sich nicht aufregen.

Schritt 10:

Heben Sie die Auswahl auf. Sie erzeugen nun eine weitere große, ovale Auswahl, die sich ein wenig unter der bereits vorhandenen Auswahl befinden soll. Lassen Sie ein kleines Stück des ersten Ovals sichtbar. Sobald Sie das zweite Oval aufgezogen haben, drücken Sie die Löschtaste, um den Rest Ihres großen, gelben Ovals zu löschen, so dass nur dieses gebogene Band stehenleibt. Heben Sie die Auswahl anschließend wieder auf.

Schritt 11:

Als Nächstes schneiden Sie ein kleines Stück aus der ganz rechten Seite Ihres gelben Bands heraus. Erstellen Sie dazu ein kleines, schmales Oval, das das Ende Ihres Bands in einem schrägen Winkel abschneidet, und drücken Sie die Löschtaste. Heben Sie die Auswahl wieder auf.

Schritt 12:

Jetzt muss nur noch ein kleiner Bereich ausgeschnitten werden und unser Band bekommt so richtig Schwung. Zeichnen Sie auf der linken Seite des Bands ein weiteres kleines Oval und drücken Sie dann die Löschtaste. Heben Sie die Auswahl auf, damit Sie das schwungvolle Band gut erkennen können. Es sind noch einige Dinge zu erledigen, aber zumindest mit dem Zeichnen von Ovalen sind Sie nun fertig.

Schritt 13:

Legen Sie nun einen Verlauf über Ihren Text, der von normalem Gelb auf der linken Seite zu Orange auf der rechten Seite reicht. Aktivieren Sie dazu zuerst die Textebene im Ebenen-Bedienfeld. Drücken Sie die Taste X, um die Farbfelder für die Vorder- und Hintergrundfarbe zu vertauschen (unten in der Werkzeugpalette), und öffnen Sie dann den Farbwähler für die Vordergrundfarbe. Wählen Sie ein dunkles Orange (z.B. R: 220, G: 110, B: 30) und klicken Sie auf OK.

Klicken Sie dann im Ebenen-Bedienfeld auf EBENENSTIL HINZUFÜGEN und wählen Sie VERLAUFSÜBERLAGERUNG. Im Ebenenstil-Dialog klicken Sie auf den nach unten weisenden Pfeil rechts neben dem Verlauf, um den Verlaufswähler zu öffnen. Klicken Sie auf den ersten Verlauf (Vorder- zu Hintergrundfarbe), um Orange und Gelb als Verlaufsfarben einzustellen. Stellen Sie den Winkel auf 180° und ziehen Sie den Skalieren-Regler auf 60%. Sie haben nun einen Verlauf von Gelb in Orange erhalten. Klicken Sie auf OK.

Schritt 14:

Diesen Verlauf soll auch der schwungvolle Bogen erhalten. Drücken Sie die Alt-Taste, klicken Sie im Ebenen-Bedienfeld direkt auf das Wort »Verlaufsüberlagerung« unter der Textebene und ziehen Sie es nach oben auf die Ebene mit der Bogengrafik (die Optionstaste bewirkt, dass der Ebenenstil von einer Ebene auf die andere kopiert wird – quasi Drag&Drop für Effekte).

Legen Sie eine neue Ebene an. Erzeugen Sie im unteren Bildbereich eine breite rechteckige Auswahl, füllen Sie sie mit der Vordergrundfarbe und heben Sie die Auswahl wieder auf (im Prinzip ist die Füllfarbe egal, da Sie im nächsten Schritt den gleichen Verlaufseffekt auf diesen Balken ziehen werden).

Schritt 15:

Ziehen Sie eine Kopie des Ebenenstils VERLAUFSÜBERLAGERUNG von der Bogen-Ebene auf die Ebene mit der rechteckigen Auswahl, um den Verlauf hinzuzufügen. Drücken Sie dann die Taste D, um Schwarz als Vordergrundfarbe einzustellen und schreiben Sie mit dem Horizontalen-Text-Werkzeug die Adresse der Website des Unternehmes (Ich habe hier als kleinen Hinweis die Adresse meines Blogs benutzt. Besuchen Sie mich doch einmal.) Unter dem Bogen fügen wir nun ein Logo hinzu; legen Sie daher eine neue Ebene an.

Aktivieren Sie wieder das Auswahlellipse-Werkzeug, drücken Sie die Shift-Taste, damit ein perfekter Kreis erzeugt wird, und ziehen Sie unter der Mitte des Bogens eine kreisförmige Auswahl (wenn Sie die Leertaste drücken, können Sie deren Position ändern).

Füllen Sie den Kreis mit Schwarz (Ihrer Vordergrundfarbe) und statten Sie den schwarzen Kreis anschließend mit einer weißen Kontur aus, indem Sie im Ebenen-Bedienfeld auf EBENENSTIL HINZUFÜGEN klicken und KONTUR wählen. Klicken Sie im Abschnitt FÜLLART des Dialogs auf das Farbfeld, ändern Sie die Farbe in Weiß und klicken Sie OK im Farbfeld sowie im EBENENSTIL-Dialog. Drücken Sie X, um Weiß zur Vordergrundfarbe zu machen, und schreiben Sie »CS4« in den schwarzen Kreis. (Hinweis: Ich habe die »4« etwas kleiner geschrieben, damit der Text gleichmäßig aussieht.)

Schritt 16:

Der letzte Schritt besteht darin, den Bereich hinter dem Text und dem schwarzen Logo abzudunkeln, um das Lesen zu erleichtern. Klicken Sie im Ebenen-Bedienfeld zuerst auf die Ebene mit den kreisförmigen Balken (Ebene 1) und erzeugen Sie direkt darüber eine neue Ebene. Aktivieren Sie die Pipette (I), klicken Sie auf einen der dunkelblauen Balken, um Dunkelblau zur Vordergrundfarbe zu machen, und füllen Sie die neue Ebene mit dieser Farbe.

Wechseln Sie zum Auswahlellipse-Werkzeug, drücken Sie die Shift-Taste und erzeugen Sie eine große runde Auswahl, die den größten Teil des Textes überdeckt. Um die Ränder der Auswahl weicher zu machen, wählen Sie AUSWAHL/AUSWAHL VERÄNDERN/WEICHE KANTE. Geben Sie 50 Pixel in den Dialog ein und klicken Sie OK. Drücken Sie dann Strg)+Shift+I, um die Auswahl umzukehren, und drücken Sie dann die Löschtaste, damit alles bis auf den weichen Kreis in der Mitte gelöscht wird. Der Effekt ist fertig.

Photoshop CS4 Down&Dirty Tricks

Scott Kelby

Addison-Wesley

Scott Kelby, der weltweit erfolgreichste Photoshop-Autor, ist wieder da! Mit dem kompletten Repertoire seiner berühmten Down & Dirty Tricks. Schon die letzte Ausgabe hat angesehenen Photoshop-Spezialisten die Tränen in die Augen getrieben, diesmal steckt nochmal mehr drin: Es ist mehr als ein Buch über Effekte. Hier geht es um die coolsten Tipps und Techniken, sowie um zeitsparende Shortcuts zu den besten und neuesten Features zu Photoshop CS4.

100% NEUE Effekte zeigen die neuesten Trends zu Special Effects und Design. Dabei ist das eBook so einfach und logisch gehalten, wie man es von Scott Kelby gewohnt ist.

1. Musterfläche auswählen

Erproben Sie die Lidschatten-Wirkung erst an einem Musterstück. Dazu nutzen Sie nicht – wie im wahren Leben – den Handrücken, sondern eine grobe Auswahl der Lidfläche. Wählen Sie dazu das Auswahlrechteck-Werkzeug, und ziehen Sie einem Rahmen über eine repräsentative Auswahl des Oberlids.

2. Erste Korrektur vorbereiten

Öffnen Sie dann über das Menü die Korrekturen-Palette. Klicken Sie dort auf das Symbol der Tonwertkorrektur, um die Haut zunächst abzudunkeln.

3. Hauttöne abdunkeln

Ziehen Sie den Regler für den Mittelwert nach rechts, um die ausgewählte Haut abzudunkeln. Durch Verschiebung des Reglers in Richtung der hellen Tonwerte werden diese als neuer Mittelwert definiert, und es ergibt sich die gewünschte Abdunklung für die ausgewählten Tonwerte.

4. Farbton-Korrektur hinzufügen

Nun können Sie schon die zweite Korrekturfolgen lassen. Klicken Sie auf das kleine Pfeilsymbol links unten, um wieder in die Übersicht der Korrekturen-Palette zu gelangen. Klicken Sie dort auf das Symbol für die Funktion Farbton/Sättigung, mit der Sie gleich die Einfärbung vornehmen werden.

5. Monochrom einfärben

Im Arbeitsfenster Farbton/Sättigung führen Sie gleich vier Schritte durch: Zuerst aktivieren Sie die Option Färben G, um die Auswahl einzufärben. Falls Sie jetzt erschrecken, weil Ihr ganzes Bild eingefärbt ist, aktivieren Sie noch durch einen Klick das Schnittmaskensymbol H. Hier durch wirkt sich die Korrektur nur auf die bereits korrigierten Bereiche aus. Wählen Sie dann mit dem Farbton-Regler eine gewünschte Zielfarbe aus, und reduzieren Sie die Sättigung bis zu einer natürlichen Einfärbung.

6. Kontrast steigern

Ein weiteres Mal geht es über den Pfeilbutton in die Übersicht der Korrekturen-Palette. Als letzte Korrektur folgt noch eine Kontraststeigerung, denn ein Lidschattenpuder
schluckt mehr Licht im Schatten und reflektiert in den Lichtern durch Reflexpartikelchen. Wählen Sie also als nächste Funktion die Gradationskurven, und aktivieren Sie im folgenden Arbeitsfenster das Hand-Werkzeug, mit dem Sie gleich direkt im Bild den Kontrast steigern können.

7. Licht und Schatten herausarbeiten

Achten Sie auch bei dieser Korrektur darauf, dass das Schnittmaskensymbol aktiviert ist, damit die folgende Kontraststeigerung nur in unserem »Musterstück« stattfindet. Ziehen Sie jetzt auf dem Bild im Schattenbereich den Mauszeiger mit gedrückter Maustaste nach unten – es entsteht ein Regler, der die Gradationskurve an der entsprechenden Stelle herunterzieht. Auf die gleiche Art und Weise ziehen Sie den Mauszeiger an einer hellen Stelle nach oben, um diese aufzuhellen und so den Kontrast zu steigern.

8. Maske und Schnittmaske

Nach dieser Korrektur öffnen Sie die Ebenen-Palette und sehen, was Ihre Schritte dort produziert haben: Die erste Einstellungsebene enthält eine Ebenenmaske , die nur das ausgewählte Rechteck freihält. Die darüber liegenden Ebenen symbolisieren durch den eingerückten kleinen Pfeil, dass sie als Schnittmasken nur dort wirken, wo auch die darunterliegende Ebene sichtbar ist. Aktivieren Sie jetzt die untere Ebenenmaske, und füllen Sie sie über Shift+Löschtaste mit 100 % Schwarz.

9. Pinseleinsatz

Ihre Korrektur ist jetzt erst einmal versteckt und muss mit dem Pinsel wieder »hervorgepudert« werden. Wählen Sie dafür das Pinsel-Werkzeug und eine weiche Werkzeugspitze mit ca. 80 Pixeln Durchmesser. Malen Sie nun mit geringer Deckkraft von ca. 10 % und weißer Vordergrundfarbe den Lidschatten auf das Lid auf. Tragen Sie die Korrektur mehrfach übereinander auf, um sie zu intensivieren. Für eine geringere Wirkung zum Rand hin können Sie die Deckkraft verringern und die Pinselgröße heraufsetzen.

Das Photoshop-Buch People & Porträt

Maike Jarsetz

Galileo Design
433 S., 2010, geb., komplett in Farbe, mit DVD
39,90 Euro, ISBN 978-3-8362-1056-0

Dieses Buch ist der Intensivkurs für die Bearbeitung von People-Fotos und Porträts in Photoshop! Lernen Sie an vielen kleinen Praxisbeispielen Schritt für Schritt die grundlegenden Techniken der Porträtretusche kennen: Retuschieren Sie Hautpartien, um Unreinheiten, Falten, Blitzflecken und andere Störungen zu kaschieren. Färben und formen Sie Haare und stellen Sie sie frei. Modellieren Sie Körper- und Gesichtspartien, und korrigieren Sie Mimik und Haltung.

Setzen Sie anschließend die erlernten Techniken an realen Projekten aus der Praxis eines Porträtfotografen um: Sie versetzen ein Modell in einen Titelblatt-Look, lassen Gesichter verjüngen und älter werden, führen komplexe Belichtungs- und Farbkorrekturen durch, und Sie bearbeiten Hochzeitsfotos, Beautyporträts und Sportaufnahmen.

Zum guten Schluss geben Sie Ihren Bilder den richtigen Feinschliff, von der angepassten Schärfung bis zum ganz eigenen Look. Das Buch ist mit Photoshop CS4 geschrieben. Sie können es aber auch mit Photoshop CS3 und CS2 voll nutzen — in Grundlagenexkursen wird auf die Unterschiede hingewiesen und es werden Alternativen aufgezeigt.

Haben Sie das Motiv gefunden, steht einem schönen Foto nichts mehr im Wege, wenn Sie die Kameratechnik beherrschen und wissen, welches Ergebnis Sie in etwa erhalten wollen. An einigen exemplarischen Beispielen zeige ich Ihnen in diesem Kapitel, wie Sie vorgehen können und was Sie beachten sollten.

Fotografieren „schult“ den Blick für die Schönheiten des Lebens. Während viele Menschen im Alltagsstress hastig und blicklos durch die Welt „schwirren“, geht man als Fotograf mit offenem Blick durch die Umwelt – immer wieder fasziniert von dem, was die Natur zustande bringt, egal ob in Flora oder Fauna. Je öfter man fotografiert, umso mehr bekommt man den Blick für die schönen „Kleinigkeiten“.

Man mag kaum glauben, dass sich in dieser alltäglichen Szene aus dem Frühjahr attraktive Fotomotive entdecken ließen. Selbst die Markierung lässt nicht darauf schließen. In der vergrößerten Variante ist erkennbar, dass vorne ein kleiner Zweig im Wege war, der beim Bildaufbau gestört hätte. Ich habe ihn nicht etwa abgeknickt oder zur Seite gedrückt – ich bin lediglich ein wenig nach links gegangen, bis der Zweig im Sucher nicht mehr zu sehen war. Sie erkennen am letztendlichen Motiv, dass ich die Kamera für eine optimale Bildgestaltung ein wenig schief hielt, Fotos: M. Gradias.

Das Sehen

Es ist schon eine Crux, wenn man mit einem Fotografen, der sich für die Nah- und Makrofotografie interessiert, beispielsweise spazieren geht. Ich erinnere mich noch gut an meine ersten analogen Experimente mit der Nahfotografie in den 80er-Jahren. Immer wieder schaute meine Frau ein wenig verwundert, was ich denn bei meinen diversen Spaziergang-Stopps wieder entdeckt haben könnte.

Eine Woche später beim Sichten der Fotos (ja, so war das damals mit dem Warten auf den fertig entwickelten Diafilm) kam immer wieder die Bemerkung: „Das war mir gar nicht aufgefallen.“ Nervig wurde es sicherlich im Lauf der Zeit, weil die Stopps beim Spaziergang immer häufiger wurden, weil ich immer öfter interessante Motive fand, je mehr mein Auge durch das häufige Fotografieren geschult wurde. Es könnte sein, dass letztlich die Fotografierpausen länger dauerten als der Spaziergang. Heute gehe ich öfter alleine mit meiner digitalen Kamera auf Fototour.

Ich habe allerdings bis heute viel Verständnis für die fragenden Blicke, die mir häufig begegnen: „Was fotografiert der nur?“ Aber heute fällt es mir dank der digitalen Technik leichter, mal eben das aufgenommene Foto auf dem Monitor anzuzeigen und die fragenden Blicke gleich mit dem fertigen Foto zu beantworten. „Aha – erstaunlich, das hatte ich so gar nicht gesehen“ ist dann oft der Kommentar.

Hier könnte man meinen, es gäbe bei der düsteren Szene ohne interessante Beleuchtung keine Motive zu entdecken, die sich als Foto gut machen. Aber das Gegenteil ist der Fall. Das unten abgebildete Foto stammt aus dieser tristen Szene – neben vielen weiteren Fotos von Knospen.

Zugegeben: Zunächst einmal muss man dieses Motiv „sehen“ – also überhaupt erst einmal stehen bleiben, weil einem etwas aufgefallen ist. Bestimmt gehen viele Menschen an der gezeigten Szene einfach vorbei, weil ihnen dieses interessante Detail gar nicht auffällt. Danach folgt das genaue Begutachten. Lässt sich das Motiv ansprechend in einer rechteckigen Form, die Fotos ja nun einmal haben, unterbringen oder nicht?

Das war bei dem abgebildeten Knospenzweig nur sehr bedingt der Fall, weil er zu stark nach oben zeigte. Das Problem ließ sich durch ein leichtes Kippen der Kamera beseitigen. Da ja kein Horizont im Bild zu sehen ist, fällt dies beim Ergebnis
nicht auf.

Außerdem war unten ein anderer Zweig im Weg, der im fertigen Bild unschön ausgesehen hätte. Nun mag es sehr viele Fotografen geben, denen so etwas ebenfalls auffällt und die dann den störenden Zweig einfach abbrechen oder zur Seite drücken. Zu dieser Art Fotograf gehöre ich nicht. Es mag sein, dass ich gelegentlich aus Versehen mal etwas „zertrampele“ – prinzipiell lasse ich aber die Natur stets so, wie sie ist, weil ich sie achte und schätze. Viele andere Naturfotografen sehen das auch so.

Wegen des dunklen Umfelds wurde das Bild etwas unterbelichtet (Nikon D70s, 200 ISO, 1/250 Sek., f 9, 105 mm Makro, Makroblitz, Foto: M. Gradias).

Dem Prüfen des Motivs folgt oft auch die Erkenntnis, dass das Motiv entgegen der ersten Einschätzung doch ungeeignet ist. Mal wirkt der Hintergrund störend oder es lässt sich weder in einer hochkanten noch in einer querformatigen Darstellung ansprechend präsentieren.

Motiv im Motiv

Manchmal plant man etwas ganz anderes, als letztlich dabei herauskommt. So sah ich die oben links gezeigte witzige „Wetterstation“ und bildete sie ab. Das langweilige
Foto flog allerdings nachträglich aus der Sammlung meiner guten Fotos heraus. Übrig geblieben ist dagegen die Detailaufnahme, die Sie oben rechts sehen. Vor dem grünen Hintergrund macht sich der Stein mit der Kette sehr gut. So finden sich oft in Übersichtsaufnahmen interessante Details, die ein Foto wert sind – Sie müssen
nur genau hinschauen.

Manchmal fallen schöne Details erst auf den zweiten Blick auf. Das rechte Foto finden Sie in der Übersichtsaufnahme an der rechten Seite der „Wetterstation“ wieder (Nikon D200, 250 ISO, 1/250 Sek., f 5.6, 210 mm, Fotos: M. Gradias).

In dieser Übersichtsaufnahme verbergen sich diverse Detailaufnahmen – einige wurden hier markiert.

Gleiches gilt für die links abgebildete Übersichtsaufnahme. Sie sehen hier das Residenzschloss in Celle in Niedersachsen. Hier verbergen sich – neben dem Motiv „Schloss“ – unzählige verschiedene Detailaufnahmen. Einige mögliche Fotos habe ich in der Abbildung einmal durch Rahmen hervorgehoben.

Diese Tulpe stammt aus der Übersichtsaufnahme auf der vorherigen Seite (Nikon D200, 100 ISO, 1/500 Sek., f 5.6, 210 mm, alle Fotos: M. Gradias).

Unten sehen Sie zwei völlig unterschiedliche Motive, die aus derselben Frühlingsszene stammen, die Sie unten rechts abgebildet sehen. Diese Beispiele sollen zeigen, dass sich praktisch jede Situation eignet, um viele verschiedene reizvolle Detail- und Nahaufnahmen zu machen. So können Sie sich an interessanten Locations eine ganze Weile aufhalten, um diverse Nahaufnahmen zu erstellen. Sie können bei der Nah- und Makrofotografie weit marschieren, um tolle Fotos zu erhalten – Sie müssen es aber meist nicht.

Diese beiden ansehnlichen Motive stammen aus der rechts abgebildeten Landschaftsaufnahme (Nikon D200, 100 ISO, 105 mm Makro: oben: 1/2000 Sek., f 2.8; unten: 1/1500 Sek., f 2.8).

Wo Licht ist …

Es ist nicht nur Licht, wo auch Schatten ist. Wenn Sie beispielsweise eine hübsche Blumenwiese – wie links – ablichten, finden Sie dort automatisch auch ganz andere Motive. Wo nämlich Blüten sind, sind Insekten nicht weit. Sie benötigen halt etwas Geduld, um zu warten, bis sich die Insekten an ihre Arbeit machen.

Insektenfotografie ist faszinierend, zumal man oftmals die vielen spannenden Details der Tiere erst im fertigen Foto sieht. In natura sind die Details mit bloßem Auge oft gar nicht zu erkennen (Nikon D200, 100 ISO, 1/1250 Sek., f 2.8, 105 mm Makro, alle Fotos: M. Gradias).

Wo Blüten sind, sind auch Insekten. Die beiden anderen Fotos auf dieser Seite stammen aus dieser Situation (Nikon D200, 100 ISO, 1/200 Sek., f 7.1, 70 mm).

Insektenfotos wirken am faszinierensten, wenn nicht nur einfach das Tier dargestellt wird, sondern interessante oder witzige Situationen festgehalten werden. So scheint sich diese Goldfliege hinter dem Blütenblatt verstecken zu wollen. Derartige Fotos lassen sich natürlich nicht planen – sie entstehen zufällig (Nikon D200, 100 ISO, 1/400 Sek., f 6.3, 105 mm Makro).

Ich erinnere mich noch ganz gut, als ich ein paar Hundert Kilometer fuhr, um bei einer Dahlienschau schöne Blumen zu fotografieren. Bei der Bildsichtung zu Hause blieben dann weit mehr Insekten als Dahlien übrig.

Gehen Sie im Frühling gerne spazieren, bieten sich Feldwege mit Sträuchern und Büschen an, um nach interessanten Makromotiven Ausschau zu halten. Hier finden Sie auch viele Insekten und viele andere bemerkenswerte Makromotive im Übermaß. So können Sie sich leicht mehrere Stunden auf einem kurzen Feldweg mit dem Fotografieren beschäftigen.

Die nachfolgende – eher langweilige – Location führte zu einer großen Anzahl interessanter Makroaufnahmen. So brachte ich mehrere Hundert Fotos mit nach Hause. Die grüne Stinkwanze ist ein Beispiel.

Voller Leben – Teiche und Auen

Wenn Sie gerne Libellen, Frösche oder Käfer fotografieren möchten, bieten sich Angelteiche oder Flussauen an. Ich halte immer wieder Ausschau nach neuen Locations dieser Art. Schauen Sie sich Ihre Umgebung doch einmal auf http://maps.google.de an – bestimmt finden Sie in Ihrer Umgebung kleine Teiche oder Tümpel, in denen es von kleinen Tierchen wimmelt.

Ein großer Teil der Insektenaufnahmen in diesem Buch entstand an diesem Teich – ich nenne ihn scherzeshalber meinen „Lieblingsfotografierteich“. Vom Frühjahr bis in den Herbst tummeln sich hier viele verschiedene Insekten und auch viele Frösche (Nikon D200, 100 ISO, 1/250 Sek., f 8, 10 mm, Foto: M. Gradias).

Sie müssen allerdings davon ausgehen, dass Sie nicht gleich bei Ihrem ersten Besuch sehr erfolgreich sein werden. Sie müssen die Location erst einmal kennenlernen, um zu erfahren, an welchen Stellen Sie welche Tiere am ehesten antreffen, wenn Sie zur richtigen Jahreszeit unterwegs sind.

Ich erinnere mich noch sehr gut an meinen ersten Versuch, Frösche zu fotografieren. Ich schlich um den Teich herum und hörte immer wieder nur ein „Platsch, Platsch“ – das waren die Frösche. Gesehen habe ich bei diesem ersten Besuch keinen Frosch. Von Besuch zu Besuch lernte ich mehr, wie vorsichtig man vorgehen muss, damit die scheuen Frösche des Teichs nicht flüchten. Inzwischen kenne ich auch jede Stelle am Teich, an der die Frösche zu finden sind. Kenntnisse über die Natur sind natürlich wichtig.

So sollten Sie wissen, zu welcher Jahreszeit und in welchem Umfeld Sie welche Tiere antreffen können. Ich informiere mich sehr gerne über http://de.wikipedia.org über die Tiere, die ich plane zu fotografieren – ich bin zugegebenermaßen kein begnadeter Zoologe.

Erkennen der Tiere

Zugegeben: Es ist nicht immer leicht, die Tiere, die Sie fotografieren möchten, überhaupt zu erkennen, zumal beispielsweise Frösche farblich oft genauso aussehen wie die Umgebung, in der sie sich aufhalten. Hier hilft nur ein geschultes Auge, das sich erst im Laufe der Zeit entwickeln kann. Vielleicht sehen Sie beim ersten Besuch an einem Teich die dort anwesenden Frösche gar nicht. Haben Sie dann aber einmal herausgefunden, wo Sie die Frösche am besten finden, wird es immer leichter.

Je kleiner die zu fotografierenden Tiere sind, umso schwieriger wird es natürlich, sie zu finden. Ich habe einige Zeit benötigt, um herauszufinden, wie und wo ich Spinnen finde. Durch ihre winzige Größe konnte ich sie kaum erkennen. Erst, als ich ungefähr wusste, wo ich die Tierchen suchen muss, fiel mir das Erkennen etwas leichter.

Architekturdetails

Auch beim Fotografieren von Architekturdetails sind Kenntnisse hilfreich – beispielsweise darüber, wo es Neubauten oder restaurierte Altbauten zu sehen gibt. Ein Beispiel sehen Sie bei der Detailaufnahme eines frisch gestrichenen Fachwerkhauses. Auch bei dieser Aufgabenstellung kann das Internet gute Dienste leisten, wenn Sie nicht ausschließlich in Ihrer Heimatstadt fotografieren wollen.

Sehen Sie sich beispielsweise die Internetpräsenz der Städte an – oft finden Sie hier Fotostrecken, wo Sie sich schon vor Ihrem Besuch über die sehenswerten Gebäude informieren können. Wenn Sie sich danach einen Plan zurechtlegen, erhöhen Sie bei Tagestouren die Wahrscheinlichkeit, mit vielen attraktiven Ergebnissen zurückzukehren.

Architekturdetails sind übrigens eine sehr gute Möglichkeit, den Einstieg in die Nah- und Makrofotografie zu finden, weil dabei – fotografisch gesehen – keine allzu großen Probleme auftreten. Sie brauchen sich beispielsweise nicht mit einer geringen Schärfentiefe auseinanderzusetzen. Später können Sie sich dann Schritt für Schritt – im wahrsten Sinne des Wortes – näher an die Motive heranwagen.

Bei statischen Motiven bietet es sich an, mit der Zeitautomatik unterschiedliche Blendeneinstellungen auszuprobieren und nachträglich die gelungensten Aufnahmen herauszusuchen. Bei Tieraufnahmen von sich bewegenden Tieren geht das natürlich nur bedingt. Hier können Sie nur auf Erfahrungswerte zurückgreifen.

Variationsmöglichkeiten

Sie haben verschiedene Möglichkeiten, um ein Objekt auf dem Foto abzubilden. Wenn Sie beispielsweise ein Produkt im Internet zum Kauf anbieten wollen, sollen die potenziellen Käufer das Produkt genau beurteilen können – daher muss es vollständig scharf abgebildet sein. Bei der kreativen Fotografie geht es dagegen ausschließlich um die Ästhetik des Bildes. Und Fotos wirken meist attraktiver, wenn das Motiv vor einem unscharfen Hintergrund abgebildet wird, wie beispielsweise die beiden rechten Bilder unten.

Sie erkennen hier gut, wie deutlich sich die Bilder bereits durch das Variieren der Blende um zwei Stufen voneinander unterscheiden.

Das Ändern der Blendeneinstellung um nur zwei Blendenstufen führt zu einer völlig anderen Bildwirkung (oben: Nikon D200, 200 ISO, 105 mm Makro; links: 1/320 Sek., f 5.6; rechts: 1/1000 Sek., f 2.8; unten: Nikon D70s, 100 ISO, 105 mm Makro: links: 1/80 Sek., f 5; rechts: 1/125 Sek., f 2.8; Fotos: M. Gradias).

Variationen der Belichtungszeit bieten sich zum Beispiel dann an, wenn Sie Wasser fotografieren. Hier können Sie kurze Belichtungszeiten verwenden, um das Wasser einzufrieren. Bei Belichtungszeiten von 1/1000 Sekunde oder kürzer können bizarre Muster entstehen. Auf Seite 53 sahen Sie beim Foto des Wasserfalls ein solches Beispiel. Soll Wasser dagegen „fließend“ und „weich“ dargestellt werden, verwenden Sie eine lange Belichtungszeit – beispielsweise eine Sekunde oder auch deutlich länger. Natürlich müssen Sie hierbei mit einem Stativ arbeiten, um die Verwacklungsgefahr zu eliminieren.

Licht

Wenn Sie im Freien fotografieren, müssen Sie natürlich das Licht so nehmen, wie es ist – außer Sie verwenden Zusatzmaterial, wie etwa ein Blitzgerät oder Reflexionsschirme. Sie sind so vom Tageslicht abhängig, das je nach Tageszeit variiert. Während Aufnahmen, die Sie morgens oder abends aufnehmen, rötlicher – „wärmer“ – erscheinen, sind die Farben mittags bläulicher – „kälter“. So können Sie den Farbcharakter eines Bildes ändern – je nachdem, wann Sie es aufnehmen. Zusätzlich spielt auch der Stand der Sonne eine Rolle.

Wenn mittags die Sonne am höchsten steht, wirken die Bilder durch fehlende Schatten unattraktiver, als wenn die Schatten der tiefer stehenden Sonne Strukturen herausarbeiten. Bei Aufbauten zu Hause können Sie dagegen das Licht selbst steuern. So sehen Sie bei den beiden Aufnahmen unten, wie unterschiedlich die Fotos wirken. Bei gleichmäßiger Ausleuchtung wirkt der Sand „flacher“, als bei der einseitigen Beleuchtung. Hier ist das Ergebnis plastischer und damit wirkungsvoller.

Lichteffekte

Wenn ich Dinge golden erscheinen lassen möchte, verwende ich zusätzlich zu den Lichtwannen mit Tageslichtleuchtröhren ganz normale Tischlampen zur Ausleuchtung, deren Licht rötlicher wirkt. Einen solchen Aufbau sehen Sie links abgebildet. Das sehr kleine Setzkasten-Bügeleisen hat zwar eine goldene Farbe, aber beim Foto wurde diese durch die beiden Zusatzlampen deutlich verstärkt. Der – eigentlich sehr simple – Gegenstand wirkt so sehr edel.

Dieser Aufbau wurde für die Aufnahme des Setzkasten-Bügeleisens verwendet. Hier kamen zwei zusätzliche einfache Büroleuchten zum Einsatz.

Da jede Lichtquelle einen „Leuchtpunkt“ erzeugt, können Sie für besondere Effekte mehrere Lampen auf einmal verwenden. Hier bieten sich auch Punktstrahler an, die dann weniger zur Beleuchtung als vielmehr als „Spot“ eingesetzt werden, um Leuchtpunkte zu erzeugen.

Hier sehen Sie neben dem verwendeten Farbpapier auch einen Objekthalter, an dem Sie beispielsweise Streichhölzer oder, wie hier zu sehen, Wunderkerzen befestigen können.

Dieses ungefähr 3 Zentimeter breite Bügeleisen aus einem Setzkasten wurde, wie oben abgebildet, beleuchtet, um eine „edle“ Wirkung zu erreichen (Nikon D300, 200 ISO, 1/50 Sek., f 16, 105 mm Makro, alle Fotos: M. Gradias).

Hilfsmittel

Bei Aufnahmen am Reprotisch können Sie auf verschiedene, günstig zu erwerbende Hilfsmittel zurückgreifen. Hier wären als Erstes verschiedene Farbpapiere zu nennen, die Sie im Bürofachhandel erhalten. Es ist empfehlenswert, einen Satz Farbpapiere in unterschiedlichen Farbtönen zu kaufen. Die benötigte Größe hängt von dem zu fotografierenden Objekt ab. Je größer das Objekt, umso größer muss auch das Farbpapier sein, damit dessen Kanten nicht im Foto erscheinen.

Um Kanten im Bild zu vermeiden, können Sie die Farbpapiere – wie links abgebildet – in einer Art Hohlkehle platzieren. Um Objekte in Position zu bringen, bieten sich Objekthalter wie der links abgebildete an. Mit dieser Zusammenstellung entstanden die Streichhölzer- und Wunderkerzenfotos in diesem Buch.

Aufbauten im Freien

In vielen Fällen benötigen Sie kein großartiges Equipment, wenn Sie „gestellte“ Aufnahmen machen wollen. Oftmals reichen ganz einfache Mittel aus, um praktikable Aufbauten zu erreichen. Dies können Sie sogar im Freien erledigen, wenn Sie keine Beleuchtungsanlage besitzen.

Dieser einfache Aufbau aus einer Glasscheibe mit Unterbau reicht aus, wenn Sie Objekte im Freien ansprechend fotografieren wollen.

So habe ich bei der unten gezeigten Aufnahme eines einfachen Schraubenziehers den rechts abgebildeten Aufbau ein gesetzt. Eine Glasscheibe wurde „aufgebockt“, um Abstand zur Rasenfläche zu erhalten. Wird dann ein Makroobjektiv verwendet, ist durch die geringe Schärfentiefe vom Rasen nichts mehr zu sehen – lediglich die Farbe bleibt übrig. Gegebenenfalls können Sie auch andersfarbige Hintergründe unter die Glasscheibe legen, wenn Sie eine andere Hintergrundfarbe benötigen.

Ein Nachteil ergibt sich natürlich beim Fotografieren von Objekten, die auf einer Glasscheibe liegen. Die Spiegelungen, die sich dabei zwangsläufig ergeben, können Sie entweder bei der Bildgestaltung mit einbeziehen oder nachträglich per Bildretusche aus dem Foto entfernen.

Diese Detailaufnahme eines einfachen Schraubenziehers wurde mit dem oben rechts gezeigten Aufbau fotografiert. Man merkt der Aufnahme nicht an, welche simple Zusammenstellung dafür nötig war (Nikon D70s, 200 ISO, 1/2000 Sek., f 2.8, 105 mm Makro, alle Fotos: M. Gradias).

Es spricht in Zeiten der modernen digitalen Fotografie überhaupt nichts dagegen, die zusätzlichen Möglichkeiten, die sich durch die nachträgliche Bearbeitung ergeben, auch konsequent zu nutzen. Selbstverständlich ist dies mit zusätzlichem Arbeitsaufwand verbunden, der sich allerdings in vertretbaren Grenzen hält.

Wenn Sie mit natürlichem Licht arbeiten, könnten Probleme mit den Schatten auftreten, die das zu fotografierende Objekt auf den Boden wirft. Sie müssen also darauf achten, dass die Sonne nicht senkrecht steht und die Schatten außerhalb des sichtbaren Bilds sind.

Makro-und Nahfotografie – Der Meisterkurs

Michael Gradias

Markt+Technik
396 S., 2009, 4-farbig
39,95 Euro, ISBN 978-3-8272-4452-9

Werden Sie zum Meister der Makrofotografie! Dass es nicht einfach ist, kleine Dinge ganz groß zu zeigen, hat bestimmt jeder Digitalfotograf schon einmal erfahren dürfen. Wie es trotzdem gelingt, zeigt uns der Autor in diesem Buch. Dabei muss es kein teures Makroobjektiv sein, es geht auch mit preiswertem Zubehör. Wie das geht, zeigt der Autor in seinem ausführlichen Technikratgeber zur Makrofotografie, einem Themenschwerpunkt dieses Buches.

Mit hunderten herausragenden Bildbeispielen und leicht nachvollziehbaren Schritt-für-Schritt-Anleitungen für die digitale Dunkelkammer ist dieses Buch eine unerschöpfliche Quelle für ambitionierte Digitalfotografen.

In diesem Artikel geht es um einige Beispiele, an denen ich die einfachen, grundlegenden Lichtwirkungen zeige.

Es beginnt immer mit einer einzelnen Lichtquelle, mit der das Objekt beleuchtet wird. Erst danach entscheiden wir, ob weitere Beleuchtung nötig ist, um wichtige Details des Objektes auszuleuchten, und wie diese Beleuchtung erreicht werden kann.

Bevor weitere Lampen zum Einsatz kommen, steht immer erst die Überlegung an, ob nicht stattdessen mit Aufhellern wie weißen oder silbernen Kartons oder auch Spiegeln gearbeitet werden kann.

In vielen Fällen erreicht man damit schon eine erstaunliche Wirkung. Die Gefahr, dass ein Objekt mit vielen Lichtquellen zu stark und schattenlos beleuchtet wird, ist weitaus größer als bei einer Beleuchtung mit nur einer Lichtquelle und einem markanten Schatten.

Auch wenn wir das Objekt in allen Seiten gut erkennbar darstellen wollen – Dreidimensionalität erreicht man nur durch Helldunkel-Kontraste der einzelnen Seiten!

Dreidimensional darstellen und aufhellen

Die Dreiseitenansicht mit unterschiedlichen Helligkeiten ist die klassische Variante und gehört zu den Basics in der Sachfotografie, z.B. sind drei Seiten eines Würfels zu sehen, wobei jede Seite einen eigenen Helligkeitswert hat. Dies ist das Prinzip jeder Sachaufnahme, besonders wenn man auf eine gute dreidimensionale Wirkung achtet – egal wie der Aufbau und der Untergrund gestaltet wird.

Übungsfoto 1

Dabei können allerdings noch zusätzliche Möglichkeiten miteinbezogen werden. Der Untergrund ist der nächste wichtige Punkt. Sollen Dinge freigestellt oder für Freistellungen fotografiert werden, bietet sich eine schwebende Darstellung auf einer Glasplatte an.

Übungsfoto 2: Aufnahme des Notizblocks auf einer Glasplatte mit schwarzem Untergrund.

Die schwebende Darstellung

Fotografie mit einer Glasplatte ist machbar, wenn die Größe des Objektes das zulässt. Dies ist ein einfacher Weg, um sehr saubere Bilder zu schaffen, bei denen man die Möglichkeit hat, frei von direkten Unter- oder Hintergründen Licht zu setzen und mit Aufhellern zu arbeiten. Ein weiterer Vorteil ist das Spiel mit der Tiefenschärfe. Die Distanz dessen, was ich im Hintergrund mit abbilde, ist hier entscheidend und lässt Spielraum für Detailwiedergaben oder flächige Abbildungen.

Übungsfoto 3: Die gleiche Aufnahme, bei der von vorne rechts aufgehellt wurde.

Der Nachteil bei Aufnahmen auf Glas ist immer die doppelte Spiegelung, sie entsteht jeweils an der Oberseite und an der Unterseite der Scheibe. Wenn man eine dünne Glasplatte wählt, liegen diese beiden Spiegelungen recht nah beieinander und fallen weniger auf. Wie sehr diese Doppelspiegelung stört, hängt ganz vom Abbildungsmaßstab ab.

Übungsfoto 4: Noch einmal dasselbe Foto, der Untergrund wurde nur gegen einen weißen Karton ausgetauscht.

Bei sehr kleinen Gegenständen, wie z.B. kleinen Schmuckstücken ist dieser doppelte Reflex sehr irritierend.

Es ist möglich Spiegelungen mit einem Polfilter (Polarisationsfilter) zu verhindern, allerdings muss man hierbei sehr auf das Produkt achten, damit hier nicht gewünschte Brillanz durch Reflexe ebenfalls wegpolarisiert wird. Auf diese Weise kann man Objekte wirklich freigestellt fotografieren, sie gleichsam schweben lassen.

Übungsfoto 5 ohne Polfilter

Die Glasplatte gibt uns also die Möglichkeit, Dinge praktisch losgelöst vom Hintergrund und separat zu fotografieren, sie besonders markant und trotzdem im Umfeld integriert darzustellen.

Bei solchen Aufnahmen arbeite ich mit dünnen Glasplatten, die ich relativ großformatig verwende, um so auch bei höheren Objekten und flacheren Perspektiven die hintere Kante gut in der Unschärfe verschwinden zu lassen. Dadurch habe ich die Option, zum Untergrund noch einen Hintergrund mit einzubauen. Ich kann nun mein Set erweitern und zusätzliche Lichtquellen integrieren, die meine ursprüngliche Objektausleuchtung nicht beeinflussen.

Übungsfoto 6 mit Polfilter

Übungen zur Objektfotografie

Eine Lampe allein reicht, um dem Objekt die nötige dreidimensionale Wirkung zu geben. Durch das Licht von links oben beleuchten wir die Oberfläche besonders stark. Die vordere Seite beleuchten wir bis zur gewünschten Helligkeit mit einem Aufheller, geeignet hierfür sind eigentlich alle gut reflektierenden Materialien.

Machen Sie Versuche mit weißen, silbernen oder auch goldfarbenen Kartons oder Folien.

Tipp: Sehr gut eignen sich auch kleine Spiegel. Gehen Sie in eine Glaserei da gibt es immer Reste. Stücke größer als 6 x 6 cm sind immer zu gebrauchen und am besten legen Sie sich einen Vorrat mit verschiedenen Spiegelgrößen an.

Skizze zu Übungsfoto 1

Set mit einer Lampe und einem Aufheller. Die Lampe wird so positioniert, dass sich Oberseite, Seitenansicht und Vorderansicht durch unterschiedliche Grauwerte gut trennen. Die Position der Lampe kann man gut anhand des Schattenwurfs kontrollieren. Zur besseren Durchzeichnung auf der vorderen rechten Seite wird der kleine Aufheller benötigt. Ein weißer Karton reicht hier vollkommen aus, ein Spiegel wäre zu stark.

Skizze zu Übungsfoto 2:

Die Glasplatte wird etwa 20 – 30 cm über dem Untergrund aufgebaut. Die Lampenposition ist wieder so wie im vorigen Set. Sie erhalten dadurch ein sehr dynamisches Bild. Vorne rechts wird kaum noch Zeichnung im Block sein.

Durch den Aufbau auf einer Glasplatte ist das Objekt schon wesentlich freier darstellbar. Ein kleiner Aufheller unter der Glasplatte gibt uns völlig freie Hand, wie die zu beleuchtende Vorderseite erscheinen soll. Ich habe hier mit einem kleinen Spiegel aufgehellt, um ein möglichst hartes Licht auf den Vordergrund zu bekommen. Allein durch Veränderung des Untergrunds/Papiers können wir die Bildwirkung steuern.

Skizze zu Übungsfoto 3

Testen Sie unterschiedliche Aufheller.

Skizze zu Übungsfoto 4

Bei weißem Untergrund wird die Art der Aufhellung wichtig, um einen guten Kontrast zum Untergrund zu bekommen.

Bei diesem Aufbau können Sie auch gut den Polfilter ausprobieren. Achten Sie auf die unterschiedlichen Bildwirkungen bei den verschiedenen Untergründen. Und wenn der Aufbau noch steht: Es muss gar nicht kompliziert sein, ein Bild neu zu gestalten. Ein wenig Veränderung im Licht und Set wirkt oft Wunder. Experimente mit einem einfachen Notizblock zeigen bereits eine Menge der bestehenden Möglichkeiten, kleine Änderungen im Licht machen sich z.B. sofort bemerkbar.

Sachaufnahme

Von der Sachaufnahme ausgehend kann man mit Requisiten arbeiten und bis zum Stilllife alle Freiheiten ausnutzen. Diese ganz einfachen Beispiele sollen nur einen Anstoß geben, neue Möglichkeiten zu entdecken. Die abgebildeten Fotos wurden mit einer normalen Lampe und einem kleinen Aufheller aus mattsilberner Pappe, ca. 20 x 30 cm groß, fotografiert.

Produktaufnahme mit Requisit

In der letzten Aufnahme dieser kleinen Strecke wurde wieder mit Polfilter gearbeitet. Das hat seinen guten Grund: Die fliegenden Blätter fliegen ja nicht wirklich und die Holzklammer, die die ersten beiden Blätter hält, konnte zwar gut hinter der herunterfallenden Ecke versteckt werden, auch die aufgeklebte Pappe war vollkommen vom Papier verdeckt, aber in der Spiegelung vor dem liegenden Block hätte man die ganze Wahrheit entdecken können, der Polfilter war hier die Lösung, da die Reflexe auf der Scheibe nicht wirklich wichtig sind.

Produktaufnahme gestaltet

So weit einige grundsätzliche Arbeitsweisen beim Start in die Objektfotografie. All diese technischen Feinheiten brauchen wir wie Gestaltungsregeln und wir sollten uns dessen bewusst sein, dass es sie gibt. Wir können sie nicht ignorieren, aber wenn wir weit genug fortgeschritten in der Fotografie sind, können wir diese Regeln einsetzen, ohne uns dessen stets bewusst zu sein. Dann können wir uns ganz dem Bild widmen und die Technik nebenher einsetzen. Jetzt wird die Bildidee entscheidend, jetzt wird sich zeigen, ob Idee und Umsetzung harmonieren und zu einem guten, zumindest aber eigenständigem Foto werden.

Neutrale Spiegelungen

Spiegelungen werden immer vom Untergrund bestimmt: je schärfer und klarer die Spiegelung, um so brillanter wirkt sie. Dabei ist es von Vorteil, wenn der verwendete Untergrund nicht direkt zugeordnet werden kann. Holz-, Schiefer- und Marmorplatten oder ähnliche Untergründe haben immer sehr typische Spiegelungen und werden oft als eigenständiges Bildelement gezielt zum Objekt passend ausgesucht.

In allen anderen Fällen soll der Untergrund ja Hintergrund bleiben, die Spiegelung soll hier zum neutralen Bildelement werden. In jedem Fall ist bei Spiegelungen zu berücksichtigen, dass sie klar erkennbar sind und das Bild nicht unruhig werden lassen. Klare und brillante Spiegelungen erreiche ich mit Glas, Spiegel oder Spiegelfolie, also allen hochglänzenden Untergründen. Weniger dominant und manchmal auch weniger störend ist die Reflexion bei matteren Flächen, wie etwa glattes beschichtetes Holz, mattiertes Glas oder Plexiglasplatten.

Grundsätzlich entscheidend für die Wirkung der Spiegelung ist der Kontrast zwischen Spiegelfläche und Objekt: je kontrastreicher, desto brillanter wirkt die Spiegelung. Auch die klare, nicht verzerrte Spiegelung eines hochglänzenden Untergrunds wirkt besonders brillant. Wie sehr das wünschenswert ist, hängt von der Art des Gegenstandes ab, der darauf fotografiert wird. Sehr starke Spiegelungen können für Unruhe im Bild sorgen.

Da Spiegelungen also durchaus einen bildwichtigen Part übernehmen, habe ich hier einige Beispiele unter gleichen Bedingungen fotografiert. Am Aufbau wurde nichts geändert, nur die Untergründe wurden ausgetauscht. Man erkennt sehr gut die unterschiedlichen Wirkungen, die in der Produktfotografie ganz gezielt eingesetzt werden können.

Der Aufbau zu den unterschiedlichen Spiegelungen. (1) die ausgetauschten Untergründe, (2) für das gleichmäßige Gegenlicht sorgt eine weiße Plexiglasplatte, die von hinten mit einer Lampe (3) durchleuchtet wird. Der Würfel wurde dann noch vorne rechts mit einem kleinen Spiegel aufgehellt.

Aufnahme auf einer Glasplatte mit weißem Untergrund.

Aufnahme auf einer Glasplatte mit schwarzem Untergrund. Da sich auch die beleuchtete Plexiglasplatte von hinten spiegelt, ist die Spiegelung des Blocks dunkel. Durch die andere Bildwirkung gewinnt der Block an Eigenständigkeit.

Aufnahme auf einer mattierten Glasplatte, auch wieder vor schwarzem Hintergrund. Gut zu erkennen ist die weiche, in den Hintergrund tretende Spiegelung. Der Würfel erscheint dadurch ruhiger und prägnanter.

Aufnahme auf einer weißen Resopalplatte. Es entsteht noch weniger Spiegelung. An der brillanten Bildwirkung geht einiges verloren.

Aufnahme auf einer Spiegelfolie. Klarer und brillanter geht es kaum noch. Die Abbildung wirkt sehr edel, aber man muss aufpassen, dass je nach Objekt nicht zu viel Unruhe in das Bild kommt. Werden viele Details bzw. unruhige Flächen so dargestellt, wirkt das auch sehr schnell verwirrend, und dann hängt sehr viel auch von der Abbildungsgröße des Objekts ab.

Aufnahme auf einer weißen, glänzenden Plexiglasplatte. Man erkennt hier klar, dass die Spiegelung etwas reduziert wird und ein guter Nebeneffekt durch die abgemilderte Reflexion entsteht, der Untergrund lässt sich sehr gut mit dem Gegenlicht steuern. Hier erkennt man schon einen kleinen Verlauf nach vorne, der durch die Stellung der Lampe, die durch die hintere Plexiglasplatte scheint, variiert werden kann.

So weit zu den Notizblockfotos

Die hier gezeigten Aufnahmen sind in ihrer Logik sicher gut nachvollziehbar, was jedoch bei der eigenständigen Fotografie dieser Bilder entsteht, lohnt ebenfalls, in der Praxis nachzuempfinden. Alle Aufbauten erlauben es mit Lampenstandpunkten, Untergründen und Aufhellern zu experimentieren. Dafür reicht bereits eine einfache Schreibtischlampe.

Arbeiten Sie mit Vorder-, Seiten- oder Gegenlicht, probieren Sie alles an Untergründen, was Ihnen einfällt, und auch bei den Aufhellern gibt es eine Menge Möglichkeiten: von der weißen Pappe über Silber- und Goldfolien oder Kartons in matt und glänzend bis hin zu kleinen Spiegeln, mit denen Sie aufhellen und Reflexe setzen können – Sie werden die unterschiedlichsten Bildcharaktere erkennen.

Tipp: Speichern Sie Ihre Musterbilder ab und vergleichen Sie die Fotos. So werden sie noch einmal klarer und können bei zukünftigen Aufbauten sicher weiterhelfen.

Bei einigen Kursen und Workshops, die ich gebe, lasse ich genau diese Bilder fotografieren und immer kommt es, gerade auch bei professionellen Fotografen, zu erstaunten Blicken, wenn ich die Aufgabenstellung erkläre. Sind dann erst einmal die ersten Fotos gemacht, folgt immer ein intensives Arbeiten und Experimentieren Sie kennen alle diese Schatten und Aufhellmöglichkeiten schon?

Kennen Sie auch die Wirkungen, wenn die Glasscheibe in der Höhe zum Untergrund variiert wird und Sie eventuell mit unterschiedlichen Lichtformern arbeiten? Haben Sie schon Brennpunkte und Randstrahlen der verschiedenen Lichtformer entdeckt? Das sind die Feinheiten, die helfen, bei einer Aufnahme das Licht sehr gezielt zu führen.

Ich erkläre es gerne durch einen Vergleich mit erfolgreichen Musikern oder Sportlern. Nehmen wir einen Opernsänger: Es gibt immer Tage, an denen keine Konzerte stattfinden. Das sind Zeiten, zu denen die Stimme durch einfache Übungen, die es ermöglichen, das Detail zu verbessern, weiter geschult wird. Auch der Profifußballer übt im täglichen Training ganz banal Kondition, Ballbehandlung und Freistoßschießen.

Zurück zu den Fotografen – auch ihnen kann es nicht schaden, neben der täglichen Betrachtung und der Konzipierung von Bildern auch das ein wenig zu üben, was neben der kreativen Gestaltung unsere Bilder ausmacht, unter anderem die Lichtführung. So könnte man freie Zeit nutzen, um mit einfachen Übungen an Details zu arbeiten. Es muss ja nicht immer der Notizblock sein. Ich nenne das „fotografische Fingerübungen“. Ein paar Ergebnisse dieser Fingerübungen sehen Sie als Fotos im Bildteil dieses Buches.

Die bilddominante Objektabbildung

Wenn ein Objekt in realistisch erscheinender Umgebung fotografiert werden soll und die Aufgabe darin besteht, eine natürliche Umgebung ohne großen Setbau zu schaffen, helfen kleine Accessoires und Lichtstimmungen. Das Objekt soll dabei nicht in einem unruhigen Bildaufbau stehen, sondern bilddominant erscheinen. Hier helfen klare, einfarbige oder in den Hintergrund tretende Umgebungen (Unschärfe), möglichst in gutem Kontrast zum Objekt.

Die Vorderseite des Objekts, also die zum Betrachter gerichtete Seite, ist dabei maßgebend. Darauf soll die Dominanz im Bild liegen, hier soll das Produkt dem Betrachter sozusagen entgegenkommen. Eine klare Trennung zum Untergrund und der Eindruck, dass das Produkt in hellem Licht steht, lassen es freundlich und clean erscheinen. Hierbei hilft die erwähnte große Glasplatte.

Der Übergang zu der mit einem Streifenlicht beleuchteten Wand im Hintergrund verschwindet in der Unschärfe und das einzige Requisit, ein weißes Handtuch, fängt diesen Lichtstrahl auf und rahmt die Flasche auf der rechten Seite ein. Jetzt sorgen noch ein paar gut gesetzte Wasser- bzw. Seifentropfen für eine gute Blickführung im Bild und bestimmen, wo der Betrachter letztendlich mit seinen Augen verweilen wird.

Objektfotografie im Detail

Eberhard Schuy

Addison-Wesley
314 S., 2009, 4-farbig, Bilderdruck
49,80 Euro, ISBN 978-3-8273-2885-4

In diesem Buch geht es um die Sachfotografie im Studio, vom Einstieg bis hin zum perfekten Stilllife: Von der Planung des Bildes und den Möglichkeiten zum Aufbau bis hin zur korrekten Lichtführung. Dabei zeigt der Autor anhand seiner Bildbeispiele, dass die Faszination in der Objektfotografie in der individuellen Vielfalt der Darstellungsmöglichkeiten liegt.

Beispiele zum Üben und Verstehen laden Sie ein das Gelesene gleich umzusetzen. Aufnahmeerklärungen mit Skizzen und Erklärungen der fotografischen Effekte geben Ihnen Antworten auf Fragen wie: Wann wirkt eine Objektabbildung besonders “clean”? Wie kann ich zu brillanten Spiegelungen kommen? Welche Ausleuchtungstechniken erlauben mir die besondere dreidimensionale Darstellung?

1. Basisanpassung

Die meisten der Korrekturen dieses Workshops sind lokaler Art. Umso wichtiger ist es, dass Sie die Anpassungen, die das ganze Motiv betreffen, an den Anfang stellen.

Durch eine minimale Belichtungkorrektur um eine Viertelblende 1 und ein zusätzliches Anheben der Helligkeit auf einen Wert von 55–60 verlieren die Hauttöne ein wenig die Schatten.

Gleichzeitig können Sie den Fülllicht-Regler auf einen Wert von ca. 15 anheben, um die Schatten – auch im Pullover – heller zu machen.

2. Kleine Hautretusche

Nach der globalen Anpassung folgen die Retusche-Aufgaben. Wählen Sie den Bereichsreparatur-Pinsel aus der Werkzeugleiste und wählen Sie aus dessen Popup-Menü Reparieren als Art.

Reduzieren Sie außerdem die Deckkraft, z. B. auf 60 %, denn Hautretuschen wirken natürlicher, wenn sie nur überlagern und nicht völlig abdecken. Ziehen Sie dann aus der Mitte der ersten, kleinen Hauterhebung einen Kreis auf 2 (der Radius ergibt sich von selbst).

3. Reparaturquelle

wählen Sobald Sie den Mauszeiger loslassen, erscheint ein zweiter – grüner – Kreis 3. Dies ist die Reparaturquelle, aus der die überlagernden Pixel kopiert werden.

Sie können diesen Kreis mit dem Mauszeiger an jede beliebige Stelle bewegen und so einen passenden homogenen Bereich als Reparaturquelle auswählen.

4. Glaubwürdige Retusche

So können Sie jetzt einen Reparaturkreis nach dem anderen aufziehen, und Sie können jeden einzelnen individuell steuern. Verringern Sie beispielsweise die Deckkraft bei Muttermalen oder Leberflecken, denn diese sind doch oft »ein Teil der Persönlichkeit« und werden von den Porträtierten als sehr vertraut empfunden.

Sie können jede Retuschestelle nachträglich bearbeiten. Klicken Sie zur Aktivierung einfach auf die kreisförmige Markierung 4.

5. Selektive Anpassungen

Wählen Sie nun aus der Werkzeugleiste das Werkzeug für Selektive Anpassung 5, und wählen Sie gleich die Option Sättigung aus dem Popup-Menü.

Hiermit werden wir störende Rotanteile in der Haut – insbesondere bei den ungeschminkten Händen – korrigieren.

6. Rot-Sättigung verringern

Klicken Sie mit diesem Werkzeug auf eine besonders rote Stelle an den Fingern, und ziehen Sie mit gedrückter Maustaste nach links.

Sie werden sehen wie die Sättigung aus den roten Hauttönen entweicht.

Gleichzeitig erkennen Sie im Korrekturfenster HSL/Graustufen, dass die Korrektur primär in den Rottönen, aber auch in den Orangetönen stattfindet 6.

7. Luminanzkorrektur

Der Hautton kann noch ein wenig transparenter werden. Deshalb wird jetzt auf die gleiche Art und Weise die Luminanz der Hauttöne angehoben.

Wählen Sie aus dem Popup-Menü der Selektiven Anpassung die Option Luminanz.

8. Strahlender Hautton

Klicken Sie auf einen repräsentativen Hautton, und ziehen Sie die Maus nach rechts, so erhöhen Sie die Helligkeit in den Hauttönen.

Im Arbeitsfenster erkennen Sie, in welchen Farbbereichen die Korrektur stattgefunden hat: primär in den Orange-, aber auch leicht in den Rottönen 7.

9. Lokale Bearbeitung starten

Es gibt noch einige Anpassungen durchzuführen: Zuerst sollte der Hintergrund etwas weniger dominant wirken. Das erzielen Sie schnell, indem Sie dort die Sättigung entziehen.

Wählen Sie den Anpassungspinsel 8 aus der Werkzeugleiste, und klicken Sie in dem erscheinenden Arbeitsfenster auf das Minus-Zeichen 9 vor dem Regler Sättigung. So sind alle anderen Anpassungen auf »Neutral« gestellt, und Sie haben eine gute Ausgangsbasis.

10. Hintergrund entsättigen

Ziehen Sie vor der Korrektur den Sättigung-Regler auf –100 – so erkennen Sie schnell, wo Sie die Korrektur gleich auftragen. Arbeiten Sie anfangs ruhig mit einer großen Pinselspitze. Stellen Sie eine mittlere Weiche Kante ein, und setzen Sie den Fluss auf 100, um die Korrektur gleichmäßig aufzutragen. Mit der Dichte können Sie die eingestellte Stärke noch modifizieren.

Aktivieren Sie die Option Automatisch maskieren, und tragen Sie die Korrektur mit wechselnden Pinselgrößen auf den Hintergrund auf.

11. Korrektur

Sollte die automatische Maskierung (die auf in der Mitte der Werkzeugspitze aufgenommenen Farbwerten beruht) einmal versagen, ändern Sie die Option des Anpassungspinsels auf Radieren 10, und entfernen Sie die Korrektur einfach mit passender Pinselgröße und -kante.

12. Finale Korrektur einstellen

Auch während und nach dem Auftragen der Bildanpassungen können Sie diese noch variieren.

In unserem Fall soll der Hintergrund natürlich nicht schwarzweiß werden. Ziehen Sie deshalb den Regler Sättigung so weit wieder hoch, dass der Hintergrund eine dezente, nicht aufdringliche Sättigung erreicht.

Mit einem Klick auf die Option Neu starten Sie dann eine neue Anpassung.

13. Weichzeichnung vorbereiten

Das A und O einer jeden Porträtretusche ist die Weichzeichnung der Gesichtszüge. Nun bietet sich im gesamten Raw-Konverter auf den ersten Blick kein Regler für die Weichzeichnung.

Allerdings können Sie natürlich mit negativen Werten für die Klarheit den Detailkontrast verringern. Das entspricht einer Weichzeichnung! Setzen Sie den Wert für Klarheit auf ca. –25, und wählen Sie dafür einen Pinsel mit 100 % weicher Kante und einer Fluss-Einstellung von ca. 30.

14. Haut abpudern

Die Fluss-Einstellung bewirkt, dass Sie die Weichzeichnung stückweise mit verminderter Wirkung auftragen können. So können Sie jetzt mit dem weichen Anpassungspinsel über die Hautbereiche fahren und durch wiederholte Anwendung die Weichzeichnung verstärken.

15. Die Scharfzeichnung als Finish

Natürlich darf am Schluss die Scharfzeichnung von Augen, Lippen und Haardetails nicht fehlen. Klicken Sie auf Neu 13 für eine weitere Anpassung und ziehen Sie die Werte für Klarheit und Bildschärfe sehr hoch, bevor Sie mit angemessener Pinsel-Größe und einer Weichen Kante von ca. 50 mit den Augendetails 11 starten.

Sie erkennen an dem grünen Pin 12 den Ausgangspunkt der neuen Anpassung.

Das Photoshop-Buch für digitale Fotografie

Maike Jarsetz

Galileo Design
519 S., 2009, geb., komplett in Farbe, mit DVD und Referenzkarte
39,90 Euro, ISBN 978-3-8362-1244-1

Lernen Sie in diesem Buch, wie einfach Sie mit Photoshop Ihre Bilder bearbeiten und optimieren können! In 117 Workshops zeigt Ihnen die Fotografin und Adobe-Trainerin Maike Jarsetz die Wege zum perfekten Foto. Ausgehend von den gängigen Bearbeitungs- und Retuscheproblemen erfahren Sie so, welche Werkzeuge und Funktionen Sie zum Ziel führen.

Neben diesen Praxislösungen zum direkten Mitmachen erhalten Sie in verschiedenen Grundlagenexkursen Basiswissen zu Photoshop. Aber auch wenn Sie bereits über gute Kenntnisse in Photoshop verfügen, können Sie noch etwas lernen: Denn auch fortgeschrittene Techniken wie HDR, Panorama, Freistellen, Montage und Porträtretusche kommen nicht zu kurz.

Auf der beiliegenden DVD finden Sie die Beispielbilder aus den Workshops sowie anschauliche Video-Lektionen zur Arbeit mit der Software.

Schatten

Wo Schatten ist, da ist natürlich auch Licht. Sie müssen also nicht nur verschiedene Typen von Schatten einfügen, sondern auch den Lichteinfall beachten und kontrollieren.

Stimmung

Stimmung ist ein Begriff, der recht schwammig ist. Manche sprechen von der Lichtstimmung, aber die haben wir gerade separat behandelt. Es fehlen allerdings noch weitere Punkte auf unserer Liste, welche die Stimmung beeinflussen:

- Kontrast
- Schärfegrad
- Helligkeit
- Größenverhältnisse
- Farbtemperatur
- Perspektive
- Sättigung
- Bildrauschen/Körnung

Nur um einmal die wichtigsten Eigenschaften zu nennen. Ich möchte in diesem ersten Teil zunächst einzig auf die Lichtstimmung, also den Schattenwurf und den Lichteinfall, eingehen.

Ausgangssituation

Das Ziel ist es, ein freigestelltes Bildelement über einen neuen Hintergrund einzufügen, um dann Licht und Schatten so zu steuern, dass sich eine Einheit ergibt. Dies ist die Ausgangssituation. Das freigestellte Element wirkt ohne die Schatten wie ausgeschnitten und aufgeklebt. Das wollen wir nun Schritt für Schritt optimieren.

Kernschatten

Den ersten Schattentyp könnte man als Kernschatten bezeichnen. Dieser Schatten ist sehr dunkel und ganz nah am Körper. Auf einer eigenen Ebene unter dem freigestellten Element zeichnen Sie an den Stellen, an denen der Körper den Boden berührt, mit schwarzer Farbe und einer sehr kleinen Pinselspitze diese Art von Schatten ein, der gerne etwas härter verlaufen darf. Stellen Sie die Füllmethode der Ebene von Normal auf Multiplizieren um.

Das ist eher eine subtile Änderung, aber gerade dieser Schatten ist wichtig für den “Realismus” in einer Aufnahme. Übrigens: Bei diesem Schatten ist es noch nicht relevant, aus welcher Richtung das Licht kommt, denn diese dunklen Bereiche werden immer entstehen.

Lichtausrichtung bestimmen

An dem freigestellten Objekt können Sie recht leicht ablesen, aus welcher Richtung das Licht gekommen ist. Schauen Sie der Dame ins Gesicht, achten Sie auf die Lichter und Schatten an den Armen und auch auf den Schuhen. Man könnte sich vorstellen, dass auf der rechten Seite ein Fenster Licht hineingelassen hat (wobei es natürlich auch mehrere Lichtquellen sein können in einer Komposition, was den Schattenwurf jedoch weitaus komplizierter macht).

Schlagschatten

Es gibt Bereiche, da wird das Licht ganz oder bis zu einem bestimmten Grad abgefangen. Dort ist dann ein Schlagschatten zu sehen. Etwa an dem rechten Fuß der Dame, da wird das Licht aufgehalten und es bildet sich ein abgedunkelter Bereich. Wie dieser geformt ist, ergibt sich aus dem Element, welches das Licht nicht weiterläßt.

Hier habe ich mit dem Lasso diesen Bereich ausgewält und auf einer neuen Ebene mit einem Verlauf von einem dunkleren zu einem helleren Grauton gefüllt. Die Füllmethode steht wieder auf Multiplizieren, wie eigentlich bei allen Schattenebenen.

So entstehen nun jeweils auf eigenen Ebenen immer weitere Schatten, die sich aus dem Lichteinfall ergeben. Das ist schwer zu beschreiben. Folgen Sie der Logik des Bildes. Sie sehen oben, wie das Licht auf die Person fällt. Daraus ergeben sich ganz natürlich die Stellen, an denen ein Schatten zu sehen sein sollte.

So habe ich dafür gesorgt, dass die Person “wirklich” auf dem Boden sitzt und sich etwas an eine Wand anlehnt (obwohl im Hintergrund nur ein Grau zu sehen ist). Eine zusätzliche Reflexion passt sehr gut zu dem künstlichen Untergrund und verstärkt den realen Eindruck noch etwas.

Dank diesem Vorher/Nachher-Vergleich können Sie gut abschätzen, wie ein paar Schatten ein ausgeschnittenes Bildelement mit einem Hintergrund verschmelzen lassen können:

In diesem Beispiel war es nicht nötig, Licht einzufügen. Darauf komme ich noch im zweiten Teil zu sprechen, wenn die Dame in ein anderes Bild – ein “Grunge”-Zimmer – gesetzt wird.

Doch. Es ist möglich. Und das sogar ganz einfach und jederzeit editierbar, also in der nicht-destruktiven Arbeitsweise. Zunächst legen Sie den ersten Schlagschatten wie gewohnt an. Dann klicken Sie mit der rechten Maustaste in die Ebene und im Menü auf In Smart-Objekt konvertieren.

Dieses Smart-Objekt kann nun wieder mit einem Schlagschatten ausgestattet werden. Und auch ein Smart-Objekt können Sie in ein weiteres Smart-Objekt verwandeln. Auf diese Art und Weise könnte noch ein dritter und ein vierter Schlagschatten hinzukommen. Oder Sie erzeugen mehrfache Konturen. Oder gar mehrfache Musterüberlagerungen, die mit verschiedenen Füllmethoden zusammenspielen.

Übrigens: Um einen oder auch gleich mehrere Stile auf eigenen Ebenen abzulegen, klicken Sie mit der rechten Maustaste auf das fx-Symbol und wählen aus der Liste Ebene erstellen aus. Nun können diese Stile etwa mit einem Filter bearbeitet, aber nicht mehr editiert werden.

Nun, vielleicht nicht so ganz, denn dann würde ich nicht darüber schreiben. Dieser “Trick” funktioniert bei Bildmaterial, das weder Tiefschwarz noch Reinweiß zeigt. Das Model im Studio vor weißem Hintergrund führt sogar zu schrecklichen Ergebnissen. Seid als gewarnt.

01. Vorbereitungen

Zunächst habe ich ein JPEG in Camera RAW geöffnet, über Bridge > Rechte Maustaste > In Camera Raw öffnen. Wenn man die Umschalttaste gedrückt hält, ändert sich der Button “Bild öffnen” zu “Objekt öffnen” ab. So wird das Foto als Smart Objekt mit Verbindung zu Camera Raw in Photoshop geladen. Ein Doppelklick auf die Ebenenminiatur ruft nun immer wieder den RAW-Dialog auf. Sehr praktisch.

Ich möchte nun die Ebene kopieren. Damit diese unabängig vom Original ist, und bei Änderungen in Camera Raw nicht auch die Kopie beeinflusst wird, bin ich mit dem Mauszeiger über den Ebenennamen gegangen, habe die rechte Maustaste gedrückt und “Neues Smart-Objekt durch Kopie” ausgewählt. Beide Ebenen könnten nun für sich im Raw-Dialog behandelt werden. Bei der obersten Ebene wurde so auch gleich über den Regler Sättigung das Bild entfärbt.

02. Korrektur

Der obersten Ebene habe ich eine Korrektur zugewiesen. Kurz gesagt: Umkehren, dann im Menü auf Ebene > Schnittmaske erstellen klicken. Sie könnten aber auch erst im Menü auf Ebene > Neue Einstellungsebene > Umkehren klicken, um dann in der Ebenenpalette mit dem Mauszeiger über die Grenze der beiden Ebenen zu gehen. Das Halten der Alt-Taste und ein Klick auf den Übergang der Ebenen sorgt dann ebenso für eine Schnittmaske.

03. Filter

Nach einem Klick auf die Hintergrundkopie habe ich den Filter > Stilisierungsfilter > Leuchtende Konturen und den Weichzeichnungsfilter > Matter machen aktiviert. Um die Einstellungen muss man sich nicht weiter kümmern. Da es Smartfilter sind, können wir diese jederzeit editieren. Der Filter “Leuchtende Konturen” sollte sich allerdings etwas abgeschwächt auswirken. Stellen Sie dazu die Deckkraft des Filters auf etwa 20% ein.

Achtung: Diese Einstellung nehmen Sie nicht direkt in der Ebenenpalette vor. Soll die Ebenendeckkraft oder die Füllmethode eines Smartfilters verändert werden, so rufen Sie dazu mit einem Doppelklick auf das Symbol der Optionen der Filter-Füllmethoden gleich neben dem Filternamen das Fülloptionen-Fenster auf.

04. Pseudo-HDR

Die Deckkraft der Hintergrundkopie wurde auf etwa 60% reduziert, dann die Füllmethode von Normal auf Strahlendes Licht umgestellt. Erst dachte ich, dass man dieses Ergebnis auch leichter über Tiefen/Lichter erreichen könnte, was aber nicht stimmt. Es ist besser. Und ich kann beide Ebenen im RAW-Dialog weiter verfeinern. (wer über das Bild geht, sieht den Vorher/Nachher-Effekt)

Das Ergebnis ist nicht schlecht. Auch auf ein weiteres Bild angewendet konnte ich gute Ergebnisse erreichen. Zahlreiche andere Fotos wurden aber praktisch zerstört. Vielleicht ist diese “Technik” nur eine Sackgasse, aber nur so entdeckt man weitere Möglichkeiten.

Generell ist es eine gute Übung des Zusammenspiels von Camera Raw, Einstellungsebenen und Smartfiltern.

Von meinen Lesern würde ich nun gerne wissen, ob diese Technik bei euren Aufnahmen zu guten Ergebnissen führt oder ob ihr vielleicht eine weitaus bessere Pseudo-HDR-Technik kennt, die viel einfacher das gleiche Ergebnis bringt.

Auch interessant wäre es zu erfahren, in welche Sackgassen ihr schon gelandet seid, beim Experimentieren mit Photoshop.

01. Kontrast dank Schärfe

Das Original bietet schon eine gute Basis, wirkt allerdings noch zu “normal”. Ich werde die Ebene nun mit dem Scharfzeichnungsfilter > Unscharf maskieren so behandeln, dass der Kontrast gesteigert wird.

Zunächst kopieren wir jedoch die Ebene über Ebene > Neu > Ebene durch Kopie oder Strg+J und wandeln diese Kopie in ein Smart Objekt um.

Dazu reicht ein Klick auf Filter > Für Smartfilter konvertieren aus. Sie können aber auch mit dem Mauszeiger über den Ebenennamen gehen, die rechte Maustaste drücken und In Smart Objekt konvertieren auswählen. Es hat sich nicht viel getan. Der Ebenenminiatur wurde nur ein Icon angefügt.

Klicken Sie im Menü auf Filter > Scharfzeichnungsfilter > Unscharf maskieren und geben Sie etwa die Werte Stärke: 40% und Radius: 70,0 Pixel ein. Bestätigen Sie mit OK.

Der Filter soll sich allein auf die Helligkeitswerte der Aufnahme auswirken. Stellen Sie dazu die Füllmethode des Filters von Normal auf Luminanz um.

Achtung: Diese Einstellung nehmen Sie nicht direkt in der Ebenenpalette vor. Soll die Ebenendeckkraft oder die Füllmethode eines Smartfilters verändert werden, so rufen Sie dazu mit einem Doppelklick auf das Symbol der Optionen der Filter-Füllmethoden gleich neben dem Filternamen das Fülloptionen-Fenster auf.

Stellen Sie dort die Füllmethode auf Luminanz ein und reduzieren Sie bei Bedarf noch die Deckkraft des Filters. Somit haben Sie eine Ebene, dessen Schärfung Sie jederzeit neu justieren können, ohne Verluste in der Bildqualität hinnehmen zu müssen.

Die Maske des Smartfilters ermöglicht nun, den Effekt punktgenau anzuwenden. Klicken Sie die Maske an (das weiße Feld links neben dem Text “Smartfilter”) und im Menü auf Bild > Korrekturen > Umkehren oder Strg+I auf der Tastatur. Mit dem Pinselwerkzeug, einer weichen Spitze und weißer Farbe können Sie den Effekt nun einzeichnen. Ich habe hauptsächlich das Gesicht und die Hand betont.

02. Kontrast dank Schwarz/Weiß

Die Einstellungsebene Schwarz/Weiß soll den Kontrast noch weiter steigern. Halten Sie die Alt-Taste gedrückt und klicken Sie unter den Korrekturen das Symbol für die Einstellungsebene an.

Da Sie die Alt-Taste gehalten haben öffnet sich ein Dialog-Fenster, in dem Sie der Ebene einen Namen und eine Farbe geben, sowie die Füllmethode einstellen können. Hier wurde der Modus auf Weiches Licht umgestellt.

Verstärken Sie die Rot- und Gelbtöne und schwächen Sie die sonstigen Farben ab. Falls Bereiche zu dunkel sind, nutzen Sie die Maske der Ebene (um den Effekt abzuschwächen) oder auch eine separate Einstellungsebene mit einer Gradationskurve.

03. Sepiatönung

Die Einstellungsebene > Fotofilter kann für eine edle Sepiatönung sorgen. Der Filter: Sepia und die Dichte mit 100% bilden die Grundlage. Ein Doppelklick auf die Ebene (nicht aber auf den Ebenennamen) öffnet die Ebenenstile.

Sie sehen die Fülloptionen. Unter dem Punkt Farbbereich sind zwei Verläufe angeordnet. Bei dem ersten Verlauf ziehen Sie den weißen Regler mit gedrückter Alt-Taste weit auf die linke Seite. Er teilt sich in zwei Hälften auf.

So sorgen Sie für einen fließenden Übergang zwischen angeglichenen und nicht angeglichenen Bereichen. Der Sepia-Look wirkt nun weitaus edler. Sie könnten die Deckkraft dieser Ebene noch etwas reduzieren, um weitere Farben durchscheinen zu lassen.

04. Dodge & Burn

Drücken Sie Strg+A, danach Umschalt+Strg+C und zuletzt Strg+V oder vielleicht auch Umschalt+Strg+Alt+N (erstellt eine neue Ebene) und dann Umschalt+Strg+Alt+E (sammelt alle anderen Ebenen auf dieser, ohne diese zu löschen).

So oder so haben Sie alle Ebenen auf eine Ebene reduziert auf einer neuen Ebene abgelegt. Das ist unsere Grundlage für eine Dodge & Burn-Technik.

Kopieren Sie die Ebene zweimal über Strg+J. Die Füllmethode der obersten Ebene stellen Sie auf Strahlendes Licht um. Klicken Sie im Menü auf Bild > Korrekturen > Umkehren oder Strg+I auf Ihrer Tastatur. Benutzen Sie den Filter > Weichzeichnungsfilter > Matter machen nach eigenem Geschmack.

Reduzieren Sie die Ebene mit der darunter liegenden Ebene auf eine Ebene über Strg+E und klicken Sie im Menü auf Bild > Korrekturen > Sättigung verringern. Wenden Sie den Gaußschen Weichzeichner so an, dass eine “typische” Dodge & Burn-Grundlage entsteht.

Das hängt natürlich stark vom Bild ab und liegt etwa zwischen 7 und 14 Pixel. Stellen Sie die Füllmethode von Normal auf Ineinanderkopieren um. Sie können diese Grundlage leicht verfeinern. Zeichnen Sie einfach Weiß, Schwarz oder Grau in diese Ebene ein.

05. Feinheiten

Drücken Sie noch einmal die Kombination Strg+A, danach Umschalt+Strg+C und zuletzt Strg+V. Behandeln Sie die Ebene wieder mit dem Scharfzeichnungsfilter > Unscharf maskieren, so wie oben beschrieben, diesesmal allerdings mit den Werten Stärke: 300% bis 500% und einem Radius von 0,2 bis 0,4 Pixel, was nicht zuletzt auch von der Bildgröße abhängig ist.

Sind Bereiche zu dunkel, legen Sie eine Einstellungsebene Gradationskurve über das Bild, setzen einen Punkt in die Mitte und ziehen diesen nach oben. Klicken Sie die Maske der Einstellungsebene an und Strg+I auf Ihrer Tastatur. Mit weißer Farbe und einem weichen Pinsel malen Sie über die Stellen, die etwas aufgehellt werden sollen.

Was den Effekt auch noch verbessern könnte (ein Test ist es allemal wert!) ist das Spielen mit der Funktion Tiefen/Lichter, die Sie unter Bild > Korrekturen entdecken können. Ganz dezent angewendet, mit niedrigen Werten, wird das Ergebnis noch aufgewertet.

Vorher/Nachher-Vergleich

Ich denke das Ziel, der porträtierten Person mehr Tiefe, Kontrast und Stimmung zu verleihen, wurde erreicht (einfach mit der Maus über das Bild gehen!).
 

Folge 56 der Photoshop-Profis beschäftigt sich mit einer Video-Umsetzung dieses Tutorials, das auf meiner DVD, Adobe Photoshop – The Next Level, enthalten ist.

Die Unbegreiflichen

1. Text mit Stil
Wählen Sie das Text-Werkzeug aus, klicken Sie in das Dokument und schreiben Sie ein langes Wort. Dieses Wort erhält den Ebenenstil > Schlagschatten mit den Optionen Deckkraft 100%, 120 Grad, Distanz 2 und Größe 3.

2. Text mit Schwung
Klicken Sie in den Optionen auf Verkrümmten Text erstellen und wählen Sie als Stil Bogen unten aus. Die Biegung stellen Sie da auf -20% ein.

Space Opera

1. Text schreiben
Der Hintergrund wurde mit der Farbe #002233 (RGB 0, 34, 51) gefüllt, dann die Vordergrundfarbe auf #cc2222 (RGB 204, 34, 34) umgestellt und der Text geschrieben.

2. Verzerren
Rastern Sie erst die beiden Textebenen über Ebene > Rastern > Text. Klicken Sie dann Bearbeiten > Transfomieren > Perspektivisch verzerren an und ziehen Sie zwei der Kästchen leicht zusammen.

Filmtitel

1. Untertitel
Der Filmtitel soll den Untertitel überspannen. Diesen Untertitel habe ich in der Farbe #ffdd33 (RGB 255, 221, 51) geschrieben, dann den Ebenenstil > Kontur mit den Optionen Größe 3 und der Farbe #667788 (RGB 102, 119, 136) aktiviert. Der Ebenenstil > Schlagschatten hebt den Schriftzug vom Hintergrund ab.

2. Titel
Schreiben Sie den Titel in weißer Schriftfarbe und stellen Sie die Füllmethode auf Überlagern/Ineinanderkopieren um. Nach einem Klick auf den Button Verkrümmten Text erstellen wählen Sie den Stil Bogen an und geben bei Biegung +45% ein.

Energie-Explosion

1. Wolken
Stellen Sie die Vorder- und Hintergrundfarben durch einen Klick auf den Buchstaben D Ihrer Tastatur auf den Standard Schwarz/Weiß zurück und nutzen Sie den Filter > Rendering-Filter > Wolken.

2. Mezzotint
Klicken Sie im Menü auf Filter > Vergröberungsfilter > Mezzontint, und stellen Sie die Art auf Lange Linie ein. Die Mezzotinto-Radierung ist übrigens eine barocke Tiefdrucktechnik. Im 18. und 19.Jahrhundert wurde sie für die Reproduktion von Gemälden verwendet. Erst Edward Munch verhalf ihr zu einer künstlerischen Eigenständigkeit.

3. Radialer Weichzeichner
Benutzen Sie den Filter > Weichzeichnungsfilter > Radialer Weichzeichner mit Stärke 100, Methode Strahlenförmig und Qualität Sehr Gut.

4. Koloriert
Klicken Sie im Menü auf Bild > Anpassen > Farbton/Sättigung, und aktivieren Sie »Färben«. Wer möchte, kann die Ebene noch über Ebene > Neu > Ebene durch Kopie duplizieren und über Bearbeiten > Transformieren > Horizontal spiegeln. Stellen Sie die Füllmethode der Kopie auf Multiplizieren um.

Plasma

1. Reflektierter Verlauf
Öffnen Sie ein neues Dokument mit schwarzem Hintergrund, und erstellen Sie eine neue Ebene über Ebene > Neu > Ebene. Ändern Sie die Vordergrundfarbe auf Rot ab, und nutzen Sie das Verlaufswerkzeug mit den Einstellungen Vordergrund-Transparent und Reflektierter Verlauf. Erstellen Sie pro Farbe zwei Linien, indem Sie das Verlaufswerkzeug kurz nach dem Ansetzen des Verlaufs wieder absetzen. Je länger der Verlauf, desto weicher die Linie.

2. Mehr Farben, mehr Linien
Die Farbe ändern Sie im Farbwähler bei HSB ab, wo Sie bei H wie Hue den Wert pro Farbe mit 50 addieren, also erst den Wert 0, dann den Wert 50, 100 und zuletzt 350 eintragen und damit die Farben wechseln. Pro Farbe erstellen Sie, wie schon beschrieben, zwei Linien, die nicht zu breit werden sollten.

3. Differenz
Erstellen Sie eine weitere Ebene, und wiederholen Sie die ersten beiden Schritte. Hier stellen Sie aber die Füllmethode der Ebene auf Differenz um und reduzieren danach alle Ebenen auf die Hintergrundebene.

4. Gefärbt
Klicken Sie im Menü auf Bild > Anpassen > Farbton/Sättigung, und aktivieren Sie Färben. Stellen Sie den Farbton und die Sättigung nach eigenem Geschmack ein, und klicken Sie im Menü auf den Filter > Kunstfilter > Kunststofffolie, den Sie mit den Einstellungen Glanz 15, Details 10 und Glättung 10 übernehmen.

5. Erstes Plasma
Kopieren Sie die Ebene durch Ebene > Neu > Ebene durch Kopie, und stellen Sie die Füllmethode auf Überlagern/Ineinanderkopieren um. Die Ebene wird über den Befehl Bearbeiten > Transformieren > 90 Grad im UZS drehen neu positioniert.

6. Kopie der Kopie
Kopieren Sie die Ebene, und drehen Sie die Kopie um 90 Grad. Diesen Schritt wiederholen Sie, stellen jetzt aber die Ebenendeckkraft auf 50% ein.

Blitz

1. Verlauf
Mit dem Verlaufswerkzeug ziehen Sie einen linearen Verlauf von #cccccc (204, 204, 204) nach Schwarz auf, wie im Beispiel zu sehen.

2. Blitzform
Der Filter > Renderingfilter > Differenzwolken sorgt für die Grundlage der Entladung. Klicken Sie im Menü auf Bild > Anpassen > Umkehren oder Strg und I auf Ihrer Tastatur.

3. Ein Blitz
Bleiben Sie im Menü »Bild ? Anpassen«, und rufen Sie dort die Tonwertkorrektur auf. Die Felder bei Tonwertspreizung werden mit 160, 0,2 und 255 gefüllt. Klicken Sie im Menü auf Bild > Anpassen > Farbton/Sättigung und dort unten auf das Kästchen vor Färben. Die Einstellungen Farbton 230 und Sättigung 30 sorgen für die folgende Farbstimmung.

Lemmone

1. Wort mit Stil
Schreiben Sie ein Wort in der Farbe #33bb33 (RGB 51 187, 51) und aktivieren Sie den Ebenenstil > Schatten nach innen mit den Optionen Füllmethode Multiplizieren, Winkel -60, Distanz 2 und Größe 2.

Dazu aktivieren Sie den Ebenenstil > Verlaufsüberlagerung mit Füllmethode Überlagern / Ineinanderkopieren, Deckkraft 50%, Schwarz-Weiß-Verlauf und Winkel 90 Grad.

2. Noch mehr Stil
Der Ebenenstil > Kontur wird mit den Optionen Größe 4 Pixel und der Farbe #f5f500 (RGB 245, 245, 0) aktiviert. Mit der gleichen Farbe füllen Sie auf einer eigenen Ebene, die unter der Ebene mit dem Text liegt, die Lücken in den Buchstaben auf.

Somic

1. Verlauf und Kontur
Schreiben Sie ein Wort in der Farbe #eecc22 (RGB 238, 204, 34) und aktivieren Sie den Ebenenstil > Verlaufsüberlagerung mit den Einstellungen Füllmethode Überlagern / Ineinanderkopieren, Deckkraft 100%, Schwarz zu Weiß, Linear und Winkel -90.

Dazu aktivieren Sie den Stil Kontur mit den Optionen Größe 7 Pixel und der Farbe #2255ee (RGB 34, 85, 238).

2. Licht
Erstellen Sie unter der Ebene mit dem Text eine leere Ebene. Dazu klicken Sie im Menü auf Ebene > Neu > Ebene und verschieben die Ebene per Drag & Drop. Die Ebene mit dem Text wird aktiviert und auf Ebene > Mit darunter liegender auf eine Ebene reduzieren geklickt.

Klicken Sie mit gedrückter Strg-Taste auf die Ebenenminiatur und erstellen Sie eine weitere Ebene. Mit dem Pinsel-Werkzeug, einer weichen Pinselvorgabe und Weiß als Vordergrundfarbe sprühen Sie oberhalb der Auswahl entlang. Heben Sie die Auswahl auf und reduzieren Sie die Ebene mit der darunterliegenden auf eine Ebene.

3. Weitere Kontur
Diese neue Textebene erhält den Ebenenstil > Kontur mit den Optionen Größe 4 Pixel und der Farbe #000033 (RGB 0, 0, 51). Der Ebenenstil > Schlagschatten mit den Standardeinstellungen sorgt für einen leichten 3D-Effekt.

Comic-Schrei

1. Der Schrei
Den Hintergrund habe ich hier mit dem Pinsel-Werkzeug, einer weichen Pinselvorgabe und den Farben #223300 (RGB 34, 51, 0) und #88bb33 (RGB 136, 187, 51) bearbeitet, dann den Schrei als einzelne Buchstaben in unterschiedlicher Größe in der Farbe #eeaa44 (RGB 238, 170, 68) geschrieben.

Die Größe der Buchstaben ändern Sie in den Optionen oder im Fenster > Zeichen ab.

2. Verlauf
Reduzieren Sie alle Textebenen auf eine Ebene. Dazu halten Sie die Strg-Taste gedrückt und klicken in der Ebenenpalette die Ebenen an, doch nicht die Ebenenminiaturen, da ansonsten nur eine Auswahl geladen wird.

Klicken Sie im Menü auf Ebene > Auf eine Ebene reduzieren, dann auf Ebene > Ebenenstil > Verlaufsüberlagerung, wo Sie die Füllmethode auf Überlagern / Ineinanderkopieren, die Deckkraft auf 50% und den Winkel auf 90 Grad einstellen.

Ein Schlagschatten mit den Optionen Deckkraft 100%, Winkel 30 Grad, Distanz 5 und Größe 0 hebt den Schriftzug vom Hintergrund ab.

1. Grundform
Erstellen Sie eine neue Ebene über Ebene > Neu > Ebene. Mit dem Polygon-Lasso wählen Sie erst die Grundform des Gesichts, dann die Hals-Form aus. Füllen Sie die Auswahl mit den Farben #ffbb77 (RGB 255, 187, 119) für das Gesicht und #aa6633 (RGB 170, 102, 51) für den Hals.

Für die Haare in diesem Beispiel wurde die folgende Palette genutzt. Auf einer eigenen Ebene zeichnen Sie grob mit dem Pinsel-Werkzeug und einer kleinen, aber weichen Pinselvorgabe erste Haare.

2. Haare ziehen
Mit dem Wischfinger-Werkzeug und Stärke 25% verwischen Sie die Haare und formen grob eine Frisur, um dann mit dem Pinsel-Werkzeug und den Hautfarben der Palette abgestuft Farbe auf die Haut zu sprühen, sodass ein räumlicher Eindruck entsteht.

3. Feine Haare
So tasten Sie sich langsam an die Form von Kopf und Frisur heran. Das ist nicht leicht und erfordert etwas künstlerisches Geschick. Der Wechsel zwischen Farbe auftragen mit dem Pinsel-Werkzeug und Farbe verwischen mit dem Wischfinger führt zu guten Ergebnissen. So können Sie auf einer eigenen Ebene mit einer sehr kleinen Pinselvorgabe und verschiedenen Farben ganz feine Haare zeichnen und diese noch verfeinern, indem Sie die Ebenendeckkraft verringern.

4. Mund
Die Lippen und Zähne habe ich in einem eigenen Dokument erstellt, auf eine Ebene reduziert und im “Kopf”-Dokument eingefügt. Nutzen Sie für die Form die Auswahlwerkzeuge, für die Farbwahl die oben gezeigte Palette.

5. Mund eingefügt
Die Ebene mit dem Mund wurde eingefügt und positioniert. Sie können die Form auch nachträglich anpassen. Klicken Sie dazu im Menü auf Bearbeiten > Transformieren, und nutzen Sie die gebotenen Möglichkeiten.

6. Augen
Die Erstellung des Auges können Sie im Tutorial Augenblick selbst vornehmen. Diese Augen habe ich wie schon den Mund in einem eigenen Dokument gezeichnet, eingefügt und positioniert.

7. Nase
Die Form der Nase ist sehr leicht zu zeichnen. Ziehen Sie mit Schwarz und einer weichen Pinselvorgabe einen schrägen und einen gebogenen Strich, und bringen Sie diese mit dem Wischfinger in Form.

Das Nasenloch erstellen Sie mit der Farbe #884422 (RGB 136, 68, 34) und einer kleinen Pinselvorgabe auf einer eigenen Ebene. Die eigentliche Form der Nase besteht aus einer Abstufung von hellen zu dunkleren Farbtönen, was auch für den 3D-Effekt sorgt.

8. Ohr
Das Ohr habe ich nur angedeutet und auf einer eigenen Ebene Haare darüber gezeichnet. So sparen Sie sich diese recht schwierige Form.

9. Mehr Kontrast
Erhöhen Sie den Kontrast über Bild > Korrekturen > Helligkeit/Kontrast, und bessern Sie kleine Fehler aus. Hier wurde etwa der Haaransatz verfeinert, einige Stellen wurden abgedunkelt, andere aufgehellt, bis diese künstliche Frau als vorläufiges Ergebnis entstand. Die Haare könnte man noch verfeinern und das linke Auge ausbessern, aber ich wollte kein unerreichbares Ziel vorlegen. :-) (oder ehrlich: besser habe ich es nicht hinbekommen)

1. Exotische Farben

Zwei neue Ebenen erhalten die Füllmethode Überlagern/Ineinanderkopieren und eine Ebenendeckkraft von 70%. Arbeiten Sie mit den Vordergrundfarben #77bbff (RGB 119, 187, 255) und #884400 (RGB 136, 68, 0) auf je einer der Ebenen, um ein exotisches Make-up der Augen zu gestalten.

2. Umsetzung

Als Vorbild können jegliche Fotos aus den Hochglanzmagazinen dienen. Achten Sie aber darauf, dass die gewählten Farben ein realistisches Ergebnis erzeugen, also nicht wie übermalt wirken.